The Hidden Cameras - In The NA

Origin: Orphan es el nombre del más reciente disco de los canadienses The Hidden Cameras. Un disco que parece llevar un poco más allá el sonido refinado de la que hasta el momento ha sido su placa más exitosa, Awoo. El sonido de los Hidden se caracteriza por una mezcla de pop de cámara sesentero y una buena cantidad de ganchos lo suficientemente capaces de hacer comparar a esta banda con grandes de su época como Magnetic Fields o Belle & Sebastian.

In The NA es el primer sencillo de este disco que recién fue lanzado esta semana y que ha recibido reviews mezclados. A mí me gustó mucho, sobretodo este sencillo que logra con su video extender el significado de la canción. Un significado bastante difuso, eso sí. El video arranca mostrando a una especie de tribu posmoderna (que parece homenaje a Monty Python) marchando mientras la canción crece en sonidos que van creando expectativa hasta que un sintetizador entra y rompe la tensión junto a unos violines afilados y ruidosos. Presten atención al coro, es muy bueno (and it wouldn't be the single NA). No sé qué significa NA. No sé que quieren mostrar con el video. No sé qué quiere decir la letra. Pero la canción es muy buena y todo está rodeado de una muy buena cantidad de humor.

El disco es muy completo y tiene grandes momentos. Es muy triste que esta banda no tenga la popularidad que merece. Aunque en parte es culpa de los de siempre: Pitchfork. De forma infame le pusieron a este disco un 5.2, y hoy están promocionando con un 9.1 a una de las peores banda que se ha visto este año, unos personajes de San Francisco que tienen el pretencioso nombre de Girls y cuyo disco se llama Album, pero además tienen el descaro de llamar a su primer sencillo Lust For Life, una canción horrible, llena de lugares comunes y con un video espantoso. Pero bueno, así es Pitchfork. Una lastima

Daft Punk - Digital Love

Vamos con una de las canciones grandes de la década. Este es el tipo de letras que en boca de otros artistas genera todo tipo de críticas por la ligereza de sus líneas. (Last night I had a dream about you / In this dream / I'm dancing right beside you / And it looked like everyone was having fun / the kind of feeling I've waited so long). Pero acá no, la aproximación de esta canción a su sentido romántico es brillante. La letra en su ingenuidad podría ser fácilmente la atracción que sienten dos adolescentes en su primer noviazgo, pero la voz robotizada con el viejo truco del vocoder lleva las cosas a otro nivel. Los sintetizadores que parecen sacados de una canción de los setenta, los riffs retro-futuristas y esa producción milimétrica llenan la canción de momentos sublimes.

Hay puntos específicos en esta canción que podrían estar entre los más importantes en la historia pop de esta década. El comienzo de la canción que toma el beat prestado de una canción de George Duke marca todo, se escucha lejos, como un radio mal sintonizado, pero a partir de aquí se construye esta gran pieza musical. El beat se queda al fondo y unos sintetizadores haciendo las veces de guitarra se toman la canción con unas secuencias simples y tremendamente pegajosas, la voz entra y todo se vuelve muy bubblegum, los tres versos de la canción y dos pequeños puentes pasan muy rápido, hasta el momento ningún coro, las guitarras sintetizadas pronto se convierten en un beat de baile y sin saberlo estamos metidos en una canción dance de grandes proporciones en donde los sonidos fluyen con una facilidad impresionante. Pero viene lo mejor y para mí la parte que define la canción: ese riff incrustado en la mitad que por unos segundos detiene el tiempo y da sentido a todo, luego de esto estamos bajo los poderes de la melodía, ya no podemos salir de ahí y Daft Punk se ha apoderado de nosotros. Son capaces y tan osados de detener la inercia que han creado y sacar un piano de la nada, un piano que siempre me recuerda a la Logical Song de Supertramp, y lo hacen para volver a invocar la voz robótica, esta vez con lo más parecido a una frase-coro que puede existir (why don't you play the game?), digo coro porque es con el recuerdo que nos quedamos luego de que acaba la canción, que por cierto termina en medio de unos efectos computarizados que rodean un muy buen solo de guitarra y el riff glorioso que se repite como para que nunca lo olvidemos.

Hay que recordar que todo el Discovery de Daft Punk hace parte de una banda sonora de una película anime, cada video que fue lanzado como sencillo contaba algo de la trama de la misma. En Digital Love un personaje de las galaxias se embarca en la misión de rescatar a una banda musical extraterrestre (aquellos del video One More Time) que ha sido secuestrada por una especie de villano o pirata del espacio. Es curioso, pero los efectos computarizados retro al lado de un video futurista dejan una sensación extraña, es como escuchar el emblemático Danubio Azul con imágenes de naves espaciales y satélites.

Una maravillosa canción para uno de los mejores momentos en la historia de Daft Punk. Si me pidieran hacer un ranking de canciones de la década Digital Love estaría en algún lugar de mi top 10.

daft punk - digital love

Yeah Yeah Yeahs - Maps

Nos cogió la noche con esto del resumen de la década, que para efectos de este blog sólo se reducirá a recordar unas cuantas canciones, tal como lo hemos venido haciendo. Y pues a cada quien se le reconoce lo que es, y a los Yeah Yeah Yeahs lo que es de los Yeah Yeah Yeahs. Maps es una canción tan encarnada en el comienzo pop de esta década como cualquier cosa de los Strokes o de los White Stripes. Recuerdo por aquellos días que muchos se preguntaban quiénes eran los de ese grupo que sonaba tan misterioso pero a su vez tan familiar. Esa voz de Karen O. que quisiera escaparse de las notas y meterse en nuestra conciencia con esa frase tan repetitiva y pegachenta como lo es: "Wait, they don’t love you like I love you", esa percusión gruesa que imprimía el carácter misterioso a la canción y una guitarra que parecía resucitar a los Pixies en el comienzo de una década que todavía no se veía como una añoranza a los ochenta como después con gran fervor lo fue.

De los Yeah Yeah Yeahs en sus años posteriores es mejor no hablar, It's Blitz!, su último disco, parece encarrilarlos por un mejor camino, pero de Fever To Tell hasta hoy han pasado una buena cantidad de años, mucha agua ha pasado debajo del puente y Maps sigue trayendo buenos recuerdos, no porque haya sonado en todas las fiestas y reuniones sociales de los últimos siete años, sino porque Maps es una muy buena canción. Una gran canción.

yeah yeah yeahs - maps

The Beatles Remasterizado IX

She's Leaving Home es quizá la canción más fina del Sgt. Pepper's después de A Day In The Life. Una canción de la que difícilmente se puede asegurar que es de The Beatles, pues lo único que aportan acá son las voces de Paul y de Lennon, pero eso sí, la canción lleva el inconfundible sello McCartney. La canción fue inspirada en una noticia del Daily Mirror, sobre una joven que dejaba su casa y toda la tragedia familiar que esto desencadenaba. Hasta ahí todo es parte de la historia y de esas cosas que siempre rondan la leyenda de The Beatles. Pero lo curioso del caso es la aproximación a la canción que se tiene desde las dos versiones del disco que existen. Hablo obviamente de la versión en Mono y en Stereo. Las dos versiones son tan diferentes que hasta se podría decir que el sentido y el mensaje de la canción cambia totalmente entre la una y la otra. Inicialmente la versión en Mono tiene una velocidad diferente (es más rápida) a su similar en Stereo. Eso hace que la versión en Stereo suene una nota más abajo, más grave. La versión en Mono es la toma original, es decir, tal cual Paul la cantó; para la versión en Stereo lo que hicieron fue cambiar la velocidad y hacerla más lenta. Las decisiones que llevaron a esto son totalmente desconocidas, se presume que se debió a algún tipo de problema técnico, pero las razones exactas no se conocen.

Hasta ahí todo normal, pero al escuchar cuidadosamente las dos canciones hay muchas cosas que cambian. La sonoridad en la versión Mono es de tal impacto que aunque la canción suena un poco lúgubre por lo agudo de su tonalidad, parece también celebrar el hecho de que la joven se va de su casa, es decir, musicalmente puede ser más oscura pero su lírica se trasforma totalmente y parece llevar un mensaje más 'alegre', o positivo si se quiere. Como si esta joven que se escapa de la casa fuese elevada a la categoría de héroe. Todo eso lo logra la textura que los violines y el arpa adquieren en su versión monoaural, también los vocales de respaldo de Lennon suenan más ironicos, como si jugara con la tragedia de los padres (we gave her everything money could buy) y se pusiera de lado de ella.

La versión en Stereo es una historia totalmente diferente. Los violines son más solemnes, más de iglesia, más sagrados. El arpa es más pura, más limpia. La voz de Paul es mucho más grave, en este caso la tragedia se consuma, los vocales de John alcanzan el nivel de un lamento de verdad. En la versión en Stereo se configura toda la tristeza familiar, acá todo se pone del lado de los padres, la canción llega a transmitir la angustia que pueden estar sintiendo al perder a su hija.

Lo más curioso de todo, lo casi increible de esto es que las dos canciones son exactamente iguales. A diferencia de otras canciones del cuarteto, en estas dos versiones no hay tomas diferentes ni instrumentaciones extrañas. Todo finalmente se reduce a las diferencias sonoras entre las versiones en Stereo y Mono, y claro, al cambio de velocidad. La versión en Stereo tiene una duración de 3.35 minutos y la versión en Mono dura 3.26.

Diez segundos de diferencia para dos canciones que tienen exactamente la misma información, pero que transmiten mensajes completamente diferentes. Así eran las cosas con The Beatles, y así es que nos gustan. (fun is the one thing that money can't buy).

she's leaving home (mono)

she's leaving home (stereo)

The Beatles Remasterizado VIII

Thank You Girl es una canción extraña. Extraña en el sentido de que puede parecer una de las canciones más simples y rocanroleras de esa época inicial de la banda, de esas a las que nadie nunca se atrevería a comparar con I Am The Walrus o A Day In The Life. Y es ahí donde está lo raro de esta canción. Y mucho más raro en esta versión remasterizada en Stereo — debo decir que me gusta mucho más la versión en Mono, que es más cruda y parece llevar más fuerza, como si fuese tocada en vivo. Pero lo extraño de esta versión remasterizada es la decantación que se puede hacer mentalmente de la canción, fácilmente uno puede separar cada instrumento de los otros, identificar quiénes y en qué momento cantan y hasta se puede escuchar los finos golpes de la batería de Ringo. Pero esa separación no es gratis, no se trata simplemente de oír instrumentos por sí solos. Hay algo más. La armónica que sirve para rematar algunas frases de la canción es un artilugio tan Beatle y tan de los sesenta que me atrevería a decir es la versión beta de lo que harían después con las orquestaciones vaporosas en los discos de la segunda mitad de la década. Ringo al final de la canción rompe todo su esquema beat y lo somete a una serie de golpes secos, fuertes, que lo primero que se me viene a la cabeza es Keith Moon o canciones tan exigentes en percusión como la posterior Hello Goodbye. La voz de John se intercala entre unos gritos dulzones y unas frases agresivas que rasgan su voz (And aaall I goootta dooo is...), estilo que se volvió la firma de Lennon y que se hace más familiar en canciones como Run For Your Life o Ticket to Ride.

Una canción que puede ser entretenida y también intrascendente, pero que como casi todo lo de The Beatles, uno nunca sabe qué puede encontrar.

the beatles - thank you girl

The Beatles Remasterizado VII

09.09.09

The Beatles Remasterizado VI

Y bueno, mañana serán lanzadas las remasterizaciones, en su presentación en mono y en stereo. La caja en stereo se filtró en Internet desde el viernes en la noche y desde ese día no he podido dejar de escucharla, es casi como oír a una banda totalmente diferente. Y hay que tener en cuenta que los mp3 que están dando vueltas tienen compresión y que además he estado usando un sistema de audio de baja categoría, sin embargo, la diferencia es grandísima a los CDs de 1987. A Hard Day's Night y Beatles for Sale son los discos que más cambiaron. También hay canciones en donde los bajos y la batería han mejorado mucho, para aquellos que se atreven a decir que Ringo es un mal baterista, acá tendrán mucho que discutir y sobretodo, mucho para oír. Hay canciones que suenan más cercanas a su contraparte en vinilo, en Help!, sobretodo, que es un disco que suena muy diferente en vinilo y en el CD del 87. Acá las guitarras son definitivamente más limpias, las panderetas, las palmas y los sonidos acústicos sobresalen más.

Los discos en mono no se han filtrado en Internet. Ya veremos. Esta semana estaré comentando más cosas de las remasterizaciones. Por lo pronto los dejo con Your Mother Should Know, los que conocen la canción notarán una mejora en las voces, en los golpes del piano y en la reverberación de los platillos y la pandereta, aquellos que no conocen la canción no se preocupen, para mí fue como escucharla por primera vez.

¡Dios bendiga a The Beatles!, ¡Dios bendiga las remasterizaciones!, ¡Dios bendiga el capitalismo!

Let's all get up and dance to a song that was a hit before your mother was born.

the beatles - your mother should know