Viajando en Bus

The Beatles - Baby, You're a Rich Man

2010-12-01T18:26:00.000-05:00

Zodiac transcurre como un película común y corriente hasta que aparece la escena final. En ese momento pensé que era obra de un genio subvertir el significado de una canción hippie y convertirla en una pieza macabra y oscura. Todo un himno de la resistencia pacifica y el amor convertido en una apología a un asesino en serie (y no requirió más que una escena para hacerlo).

Ahora el mismo David Fincher en The Social Network repite la formula pero de forma más sutil y directa. La batería y el piano de Baby, You’re a Rich Man invaden la película en la última escena. Y aunque en el contexto el Rich Man pueder ser Zuckerberg, en realidad el mensaje puede ser más ambiguo que eso. Esta canción bien puede representar todo lo que es la generación Facebook: ¿Qué se siente ser una persona bonita?... ¿Has viajado muy lejos?... ¿Eres feliz siendo así?. Esa generación llena de vanidades que se alimenta de repetidas actualizaciones a una página de una red social.

Hace unos días se anunció la llegada del catalogo de The Beatles a iTunes. Una noticia que no sorprendió a nadie pero que marca la muerte oficial del CD como medio para almacenar música. Es el triunfo total y completo de la era de la información, la misma era llena de Zuckerbergs y Assanges que ahora mismo están en garajes construyendo lo que va a dar de que hablar en la próxima década. Curiosamente, lo que había evitado que The Beatles llegaran a iTunes fue una larga batalla legal entre las dos Apple. Una larga batalla que tiene un final justo pero amargo, tal como en una película de Fincher... “Guardas todo tu dinero en una gran bolsa marrón en un zoológico”.

The Beatles - Baby, You're a Rich Man

Deerhunter - Memory Boy

2010-10-07T20:34:00.005-05:00

Recuerdo que cuando mi padre se fue de la casa la situación fue una de las más tristes que se haya podido vivir en mi familia, no por extrañar la figura paterna ni porque mi madre tratara de hacerse la fuerte sin que yo lo notara, sino porque con él se fue el último representante de la unidad familiar: el televisor. Fue horrible. Fácilmente podía vivir sin padre pero nunca sin un aparato de esos. Yo tenía 8 años y el televisor era mi único hermano. Afortunadamente mi madre pudo sortear la situación y además de comprar un televisor pudo adquirir un sistema Beta que nos permitió grabar los partidos del mundial mientras yo estaba en el colegio.

Lo que más me gusta de Memory Boy es cómo logra recoger esos recuerdos de la niñez tan difíciles y convertirlos en una pieza pop alegre, con buen humor: Did you stick with me? / Let me jog my memory / I see you leaving / Oh, don't forget your TV... It's not a house anymore, ooore... It's not a house anymore, ooore.

Try to recognize your son

In your eyes he's gone, gone, gone gone gone gone gone gooone

Is there anyone who...

wants to see the sun go down, down, down down down down downnnn...

Deerhunter - Memory Boy

Belle & Sebastian - Sleep the Clock Around

2010-10-01T12:09:00.000-05:00

live at lowlands festival 2006

Hay un momento especial y a la vez triste en todos los conciertos de Belle & Sebastian. Ese momento llega cuando empiezan a tocar Sleep the Clock Around: durante mucho tiempo ha sido la canción con la que terminan sus conciertos. Yo solía estar pendiente de todos esos detalles con el orden de las canciones y los setlists, hace mucho tiempo no lo hago, y fue en el mismo instante que empezaron a sonar las notas de Sleep the Clock Around cuando supe que era la última canción. De cualquier forma, me tomó por sorpresa. Hacía mucho tiempo no la escuchaba y las primeras palabras de Murdoch parecían traer un mensaje escondido: “And the moment will come when composure returns... put a face on the world, turn your back to the wall”. Es una pieza que funciona muy bien en vivo, de alguna manera la banda ha encontrado la mejor forma de aprovechar todo lo que la canción ofrece y así terminar sus conciertos llenos de sonidos alegres, esperanzadores, pero a la vez tristes. Es una canción hipnótica, se va llenando de fuerza a medida que avanza y finaliza con una gran sección instrumental que también sirve para marcar el fin del recital.

Take a walk in the park, take a valium pill
Read the letter you got from the memory girl
But it takes more than this to make sense of the day
Yeah, it takes more than milk to get rid of the taste

Pavement - Frontwards

2010-09-22T13:15:00.004-05:00

Watery, Domestic de Pavement es un EP que salió en la mitad sus dos primeros discos. Y aunque el sonido de Frontwards parece más cercano al Crooked Rain, Crooked Rain, su temática nostálgica y triste la acerca más al primer disco de la banda. La guitarra difusa y atmosférica con la que arranca la canción contrasta con la voz de Malkmus que es evocativa y no tan fragmentada, más en la tradición de R.E.M. que de The Fall. Soy el único que te está buscando, y si me agarran, entonces la búsqueda se acaba, empieza diciendo Stephen Malkmus en una serie de escenas que no parecen tener conexión alguna. Haciendo referencia a lo que puede ser un largo viaje o también el paso del tiempo: Tengo estilo, millas y millas, tanto estilo que es un desperdicio.

Pavement está en su mejor momento, haciendo una gira de reunión en la que se divierten, se ven contentos, se alegran y además nos llenan de nostalgia por tantas cosas que hemos vivido con sus canciones. Fue una banda que estuvo por fuera de los escenarios y las pantallas durante 10 años. Y ayer, mientras los veía tocar, me preguntaba qué tipo de persona soy después de 10 años. Qué tipo de personas son ellos y por qué después de todo este tiempo sigo sintiendo tanto amor por sus canciones. No lo sé. No sabemos ni tenemos respuesta a eso. Pero lo que sí sabemos es que Pavement está de vuelta, con millas y millas de estilo que nadie quiere desperdiciar.

Pavement - Frontwards

Smog - Cold Blooded Old Times

2010-09-15T16:23:00.002-05:00

Esta canción desde lo limpio de sus notas se encarga de incomodar, de perturbar con esas frases ambiguas y sin contexto. Fueron tiempos de sangre fría, dice Smog, pero a qué precio. Siempre habrá cosas que no vale la pena recordar y que molestan, que nos hieren desde lo más profundo y que nunca nos atrevemos a discutir. The type of memories that turn your bones to glass.

Y el juego de tres notas va llevando esas líneas vocales que deliberadamente están en double track para ser más profundas y persistentes.

Mother came rushing in

she said we didn't see a thing

we said we didn't see a thing

Las otras (frases), más secas y crudas, se encargan de recordarnos que esto no viene de Nick Drake pero sí de la Velvet Underground. De nuevo el juego con el doble sentido en el único verso que se repite y que, en mi opinión, define toda la canción:

How can I stand

and laugh with the man

who redefined your body?

¿A quién se refiere? ¿A otra persona? ¿A él mismo? ¿A un pariente? ¿A un ex amante? ¿Por qué reírse con él? ¿Quién es capaz de redefinir el cuerpo de otra persona? ¿Por qué redefinirlo?.

Belle & Sebastian - Write About Love

2010-09-07T12:02:00.000-05:00

I know a spell that would make you well: write about love

It could be in any tense, but it must make sense

I know a trick, forget that you are sick: write about love

It could be in any form, hand it to me in the morning

Belle & Sebastian - Write About Love

Prefab Sprout - When Love Breaks Down

2010-09-02T20:32:00.000-05:00

Esta es una de esas canciones que sólo se logran entender con los años, con un significado obvio pero que una vez golpea la corteza cerebral en el momento preciso es capaz de sacar lágrimas.

Recuerdan ustedes lo que decía Rob Fleming en High Fidelity, “a nadie le preocupa que los niños escuchen miles, literalmente miles de canciones que hablan de corazones destrozados, de rechazos y abandonos, de dolor, tristeza, pérdida... las personas más desgraciadas que yo he conocido, románticamente hablando, son las que tienen un desarrollado gusto por la música pop”. Una de las razones por la que no dejaría a mis hijos escuchar esta canción a temprana edad es por la tristeza que emana: cuando el amor se acaba las mentiras que decimos sólo sirven para engañarnos a nosotros mismos.

Por otro lado, la ejecución de esta pieza es algo para lo que las palabras sobran. La interpretación, los sonidos que entran en el momento perfecto, pero sobretodo las pausas... los espacios que hay en esta canción son más que recursos melódicos, sirven para reafirmar cada una de las frases, sirven para cargar cada una de las palabras de una nostalgia absoluta: Oh my... oh my... have you seen the weather?... the sweet september rain... rain on me... like no other... until I drown.

Nick Drake - Hazey Jane II

2010-08-30T12:27:00.001-05:00

... let's sing a song for Hazey Jane, she's back again in my mind. If songs were lines in a conversation, the situation would be fine.

Nick Drake - Hazey Jane II

Leonard Cohen - Hey, That's No Way to Say Goodbye

2010-08-26T19:25:00.003-05:00

Esa mirada de Leonard Cohen es algo insegura y melancólica, pero no se atreve a quitarla de encima de nosotros. Ahí está, presente, diciéndonos: vean la obra maestra que he compuesto y no me importa lo demás.

Las escenas que describe Cohen en esta canción son de una perfección cinematográfica.

I loved you in the morning, our kisses deep and warm,
your hair upon the pillow like a sleepy golden storm.

Pero los coros, son esos coros femeninos los que revisten la canción de misterio. Y Cohen no da pistas acerca de su relación, pero eso no importa.

Yes, many loved before us, I know that we are not new,
in city and in forest they smiled like me and you,
but now it's come to distances and both of us must try,
your eyes are soft with sorrow,
Hey, that's no way to say goodbye.

La despedida de la que habla Cohen es en realidad la soledad. Y todo lo dice en el segundo verso, de nuevo la descripción de la costa y las cadenas son perfectas. Y digo que es la soledad porque se trata del paso inmediato a la despedida: esa no es la forma de decir adiós.

I'm not looking for another as I wander in my time,
walk me to the corner, our steps will always rhyme
you know my love goes with you as your love stays with me,
it's just the way it changes, like the shoreline and the sea,
but let's not talk of love or chains and things we can't untie,
your eyes are soft with sorrow,
Hey, that's no way to say goodbye.

Leonard Cohen - Hey, That's No Way to Say Goodbye

The Kinks - Strangers

2010-08-24T10:02:00.000-05:00

¿Para dónde vamos? No lo sabemos. La cadencia de esta canción es llevada por una percusión que marca unos latidos fuertes y permanentes. Una genialidad compuesta por Dave Davies para el disco Lola Versus Powerman. La interpretación es brillante, la emoción y tranquilidad en cada una de las frases convierte las palabras en proverbios: Somos extraños en este camino que decidimos andar; no somos dos, somos uno.

Tal vez es una canción que habla del miedo a morir. Pero es más general, habla del fin de las cosas, habla de ver el final y no saber qué hemos hecho, pero no lo hace de forma nostálgica. Se trata de asumir el fin con optimismo: Y si la mano que me ofreciste sigue abierta para mí, entonces te seguiré por donde quieras; venimos de la tierra que sólo produce perdedores, por eso compartimos este camino; vigilando nuestra boca y cuidando nuestro diálogo, hasta que la paz nos encuentre.

La canción se acaba mientras el latido se aleja, lentamente desaparece: es el fin.

Belle & Sebastian - String Bean Jean

2010-08-18T12:24:00.000-05:00

Unas de esas primeras canciones de B&S llenas de historias mundanas, demostrando la capacidad de Stuart Murdoch para narrar situaciones cotidianas llenas de metáforas y juegos de palabras. Tal vez era eso lo que más nos atraía de esos primeros años de B&S, canciones simples con una fuerte carga narrativa detrás.

String Bean Jean parece tener una buena dosis de humor y la forma cómo Murdoch entrega cada línea lo llena de cierta intimidad que se siente durante toda la canción. Pero es al final, en uno de los versos más memorables y a su vez insignificantes de toda la carrera de esta banda, en la que la canción logra una conciencia especial. Se trata de un chiste interno y tonto que Murdoch nos cuenta, esos chistes intrascendentes son los que muchas veces sirven para mantener las relaciones y sacarlas de la monotonía. Y a veces, esos chistes, permanecerán en nuestra memoria para siempre.

She asked me, "Do I need to lose a bit of weight?"
And I said, "Don't be stupid, 'cause you're looking great"
And we call her String Bean Jean because the label on her jeans
Says seven to eight years old - well that's pretty small
Seven to eight years old, that's pretty small
Seven to eight years old, that's pretty small
Seven to eight years old

Young Marble Giants - Final Day

2010-08-12T12:35:00.000-05:00

Cuando llegue el día final la paz será obligada. Esta canción habla de la paz, pero no de cualquier paz, habla de la paz interior. Llega la noche y con ella, tal vez, algo de tranquilidad.

The Beach Boys - Sloop John B.

2010-08-06T10:52:00.003-05:00

Drinking all night, got into a fight.
Well, I feel so broke up, I want to go home.

Let me go home, let me go home.
I wanna go home.
Well, I feel so broke up, I wanna go home.

The Beach Boys - Sloop John B.

The Flaming Lips - Suddenly Everything Has Changed

2010-07-29T23:19:00.001-05:00

Piensas en el pasado y de repente todo ha cambiado. Deja las cosas cotidianas a un lado y piensa, por un momento, en lo diferentes que somos ahora. Cuando regresas a casa el cielo parece acelerar. Mientras ves pasar cada segundo del presente, dudas. Pero luego todo pasa tan rápido y vuelve a cambiar.

Algunas cosas no cambian.

Charles Mingus - Track A - Solo Dancer

2010-07-27T11:04:00.002-05:00

La locura sólo existe en la cabeza de los otros, no en la del que la padece, el que la padece estará en un permanente estado consciente de confusión.

Mingus estuvo recluido en un hospital psiquiátrico antes de sentarse a escribir The Black Saint and the Sinner Lady. Las notas que acompañan el disco fueron escritas por el doctor Pollack, en ellas el psiquiatra relata cómo Mingus sobrellevó y superó la difícil situación.

El movimiento de The Black Saint es intenso, va por lugares poco conocidos, se interna por una serie de túneles que pocas pistas van dejando. Pero es seguro, y Mingus sabe descargar toda su furia, quizá su frustración con rabia y melancolía. El patrón de arranque de esta pieza es tan sutil, tan delicadamente ejecutado y minuciosamente medido que el tiempo que deja para asimilarlo es casi nulo, de un segundo a otro estamos en el nudo de una película de la que aún no conocemos a ninguno de sus protagonistas.

Las notas médicas escritas por el doctor Pollack no hacen más que plasmar eso, la locura del otro, la de Mingus. Porque Mingus se encargó de plasmar con música su propia locura, la que le dictaba su cabeza, la que nadie nunca llegará a imaginar ni atreverse a comprender. De la locura Mingus nos dejó The Black Saint and the Sinner Lady, una de las piezas más grandes de la música del último siglo.

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Round and Round

2010-06-30T12:37:00.004-05:00

Como siempre todo vuelve a ser lo mismo. El pop es circular. Merry go 'round... we go up and around we go. La construcción del pop se limita y se expande en una cinta de Möbius que cambia de color y textura de acuerdo al tiempo o al estado de ánimo. You play air guitar for a band, and I, I will break eardrums in the back, and I’ll back you up, as your frontman. Sin mayores recursos que el sentido de la melodía y un puñado de cambios de tiempo. Now that sounds right frontman write the songs that say “I like that!”. Y se llena de aire, de emociones, avanza sin mayor reparo de lo que pasa, pero con extrema cuidado porque, como ya sabemos, todo siempre vuelve a ser lo mismo. I’m afraid, you’re afraid... and we die and we live and we’re born again, turn me inside out... what can I say. Pero viene el coro, un coro que se convierte en el núcleo de todo... el punto final que no es final. Hold on, I’m calling, calling back to the ball... and we’ll dazzle them all, hold on... ¿Necesitamos algo más?

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Round and Round

The Beatles - She's Leaving Home (Motown Version)

2010-06-02T11:18:00.001-05:00

Un espontáneo de internet tomó alguna de las cintas máster con los vocales de She's Leaving Home, le agregó un fondo Motown y quedó este mashup que es de una calidad increíble. Otra sorprendente forma de ver esta misteriosa canción.

Nancy Sinatra - Friday's Child

2010-04-30T15:23:00.001-05:00

Esta canción tiene varias versiones, con otros arreglos y otro juego de voces. Pero esta es la más oscura de todas y también la menos comercial. La canción es una composición al mejor estilo de Lee Hazlewood, e hizo parte de ese periodo de éxitos al lado de Nancy Sinatra.

Empieza con un riff rasgado que de inmediato pone a la canción en un lugar incomodo, como una canción gastada y vieja, algo pesada. Son tres minutos que parecen un loop que en cualquier momento desaparecerá, como un fade away eterno. La voz de Nancy Sinatra alargando la agonía de la hija del viernes ('friday's chiiiiiild'), imprimiendo un tono pesimista y deprimente a la situación. Hija del viernes, tu hermana es la miseria. Hija del viernes, nunca has intentado nada en tu vida. Hija del viernes.

Blur - Fool's Day

2010-04-17T10:47:00.002-05:00

Quizá sea todo lo que estamos acostumbrados a oír la voz de Damon Albarn en Gorillaz que esta mañana al escuchar Fool's Day me pareció una canción gruesa y con un beat lento que de inmediato me llevo a las cosas del grupo de 2D. Pero luego, después de varias oportunidades, la canción se vuelve una mezcla entre Blue Jeans y cualquier cosa del 13, pero con una inercia y una vida propia. Fool's Day es nostálgica, una canción con conciencia inglesa, y acá tal vez podemos relacionar la temática de Fool's Day con el maravilloso trabajo de Damon y The Good, The Bad and The Queen. Me gusta. La canción sólo la he podido oír en copias baratas de la radio. El sitio oficial de Blur anuncia la descarga gratis en próximas horas.

Es Blur. De eso no hay duda. Buena forma de iniciar el día después de 7 años de no oír nada de ellos.

blur - fool's day

LCD Soundsystem - Home

2010-04-15T19:23:00.010-05:00

Parece que el trabajo de James Murphy encuentra un buen final acá. Aunque me reservo mis opiniones del disco, los temas y las obsesiones de Murphy tienen su lugar. La mezcla de nostalgia, crisis de la mediana edad y hasta regaños se condensan en esta gran canción de LCD Soundsystem. Es directa, pero también da vueltas, se mueve por toda la casa (como Daft Punk) buscando discos de Pink Floyd, Can y Talking Heads.

Las frases que nos entrega Murphy vienen en su clásica forma de pequeñas explosiones electrónicas y oraciones largas que se fragmentan para conformar microversos de una línea. (Tal vez no ha pasado mucho tiempo desde Losing My Edge).

Esta canción cierra el que probablemente será el último disco de LCD Soundsystem. La década acaba con LCD Soundsystem (o viceversa) y es hora de volver a casa. Podemos romper las reglas y olvidar el pasado, las cosas se pueden volver extrañas, pudo haber sido un mal tiempo, o mejor, fue un tiempo terrible, pero siempre podemos volver a casa y asegurarnos de quedarnos en ella. Es nuestra última oportunidad. Pero y, ¿cómo volvemos?.

"Forget your past, this is your last chance now."

Belle & Sebastian - The Loneliness of the Middle Distance Runner

2010-04-14T22:56:00.000-05:00

Uno de los primeros videos de Belle & Sebastian que recuerdo haber visto es este, The Loneliness of the Middle Distance Runner. Me gustaba mucho ver a Isobel Campbell tocando la pandereta y estoy seguro de haber hecho cara de tonto en la parte en que ella infla los cachetes al silbar. Es hermosa. Luego entendería que esta era una de las últimas cosas en las que ella aparecería, pues al poco tiempo dejo la banda después de algunos problemas con el líder. Y en esta presentación se siente algo de la tensión. Creo que la mirada de ella lo dice todo. Isobel parece ser una de aquellas personas que refleja todo en sus ojos (1:54). Y también parece irónico que esta canción, una de las más reflexivas y frías, sea el fondo para ver la soledad de Isobel en el escenario. Porque la soledad de un atleta es bastante diciente, pero la soledad del artista también lo es. The Loneliness of the Middle Distance Runner es una canción pausada, quebrada, que habla del futuro de una forma seca, sin optimismo. Ese futuro en el que las cosas pueden salir bien pero que no nos atrevemos a mirar con esperanza. Ese futuro que tomamos con precaución. Ese futuro que tomamos en la soledad de nuestras decisiones. Luego de esto Belle & Sebastian se embarcaría en una de las fases más exitosas de su carrera. Isobel, por su parte, seguiría con una comunidad muy cerrada de fanáticos y con muy poco éxito comercial. Así es el futuro, ese que decidimos, aquel que se abre ante nosotros, como la pista que tiene al frente el corredor de media distancia.

R. Dean Taylor - There's A Ghost In My House

2010-04-02T14:52:00.002-05:00

Esta es una de aquellas canciones que debería gozar de una inmensa popularidad. Es un clásico por donde se mire. Una canción de 1967 que hizo parte del sello Motown Records, de un artista canadiense que no tuvo mayor trascendencia en sus días, pero que permanece como una de las grandes leyendas del llamado Northern Soul. Ese mismo Nothern Soul que inspiraría a muchos de los músicos más importantes del sonido mod británico.

Me gusta el tono dramático con el que empieza la canción (!!Hay un fantasma en la casa!!) para luego, a medida que armonías vocales se adhieren, transformarse en una bailable y romántica pieza.

T. Rex - Baby Strange

2010-03-25T21:52:00.001-05:00

Sexy es una palabra que queda corta para este pedazote de canción de Bolan y compañía. The Slider es mi disco favorito de T-Rex, de hecho pienso que Metal Guru es el mejor opening track en disco alguno de los setenta, y con Baby Strange Marc Bolan demuestra su genialidad para componer canciones simples y altamente sofisticadas. El riff sesentero y el característico vocal de Bolan hacen de esta canción el más claro y lindo ejemplo del rock cósmico que a él le gustaba predicar.

Oooohh you're strange,

don't lame me baby strange,

don't lame me baby

t-rex - baby strange

Talk Talk - It's My Life

2010-03-19T14:52:00.001-05:00

Me gusta el pop de sintetizador. Me gusta lo que se hizo en los 80, en donde prácticamente nació este género. O al menos se hizo popular, así suene a redundancia. Pero hay cosas que nunca me han logrado convencer. Con los New Romantics, por ejemplo, parecía desaparecer ese sentido personal tan importante en la canciones para darle paso a la moda, a los sonidos destellantes y a los colores. Y tal vez esa barrera la he encontrado con las cabezas más visibles del synthpop. Son canciones perfectamente ejecutadas y detalladamente producidas que suenan plásticas (y tal vez ese es su objetivo) pero que también alejan el sentido personal e íntimo que otras vertientes del pop se han esmerado en trabajar.

No pasa eso con It's My Life. Una canción que empieza extrañamente cálida y que se desenvuelve desde su primera línea (y título) con un tono egoísta y muy intimo.

Big Star - The Ballad Of El Goodo

2010-03-18T11:16:00.000-05:00

Estaba apunto de publicar una entrada sobre Talk Talk y la intimidad en el pop, cuando desde todos los puntos cardinales de la Internet empezaron a salir noticias sobre la muerte de Alex Chilton, la mítica figura detrás de uno de los actos más populares en la historia de la música popular.

Cualquier cosa que se tenga que decir sobre Big Star seguro ya se ha dicho o se está diciendo en este momento en los millones de páginas y tributos que están por aparecer. Sólo puedo agregar que si alguna vez le encontré sentido a grupos como Yo La Tengo, Teenage Fanclub o REM, fue cuando finalmente me senté a oír los discos de Big Star. Y el pop de guitarras que se ha hecho durante los últimos años, en general, no puede tener más sentido que con los sonidos de Big Star.

David Bowie - Queen Bitch

2010-03-08T19:59:00.001-05:00

La progresión de cuerdas en esta canción se siente tan natural. Y lo es. El famoso modelo de tres notas que se desgarran una tras otra al mejor estilo Velvet Underground (esto no es gratis). Sí, el mismo modelo que fue explotado por toda una generación punk y post-punk. Por eso Queen Bitch no suena tan lejos a los Modern Lovers ni tampoco a los Bunnymen.
Bowie nos entrega esta canción en un tono retador, casi pendenciero, y con un aire de superioridad que hace caminar a Zissou a 15 centímetros del suelo.

Elvis Costello - The Comedians

2010-03-05T21:36:00.006-05:00

¿Qué motivaría a Alan Moore a citar esta canción en Watchmen?. Es difícil encontrar este tipo de canciones actualmente. Es decir, las canciones se encuentran, pero la forma frenética de consumir música actualmente poco tiempo deja para sentarse y disfrutar de estas piezas escondidas en trabajos de dudosa calidad, de esos discos que nadie se atreve a reseñar ni a defender. The Comedians está en la mitad de uno de esos discos. Y es ese frenetismo el que de alguna forma Watchmen critica y también alaba. Tal vez eso era lo que quería Moore, que nos sentaramos, por un instante, a pensar en esta canción. Y es una canción rara, su carácter contemplativo no logra llegar del todo, lo único que logra, por momentos, es incomodar.

Elvis Costello reescribió esta canción para el disco de Roy Orbison del 89 (el que sería su último trabajo). En esa reedición la canción es más gruesa. El vocal de Orbison, evidentemente, logra llenar más espacios y a la vez es más intenso. Quizá el resultado que siempre quiso Costello. Pero sigo prefiriendo esta versión con todo y su incomodidad, con esa línea vocal que parece llena de errores, con ese piano que todo el tiempo está temblando, con esa inseguridad en las frases y con esa simulada ingenuidad.

elvis costello - the comedians

Paul McCartney - Take It Away

2010-03-03T21:38:00.002-05:00

Volvimos.

De esas canciones de Paul McCartney que tienen doble percusión y líneas de bajo desfasadas, que empiezan directamente con el coro y que se acaban en la mitad de un bridge, que tienen unos vocales extrañísimos y unas trompetas que tal vez sobran. Es decir, todo lo usual en una simple canción pop. Y hasta podría apostar que fue compuesta en cinco minutos.

Muchas caras conocidas en el video.

Lonely driver, out on the road,
with a hundred miles to go.
Soul survivor, carrying the load,
Switches on his radiooo.

Simon Reynolds y la década que se va

2009-12-09T19:44:00.002-05:00

Simon Reynolds hace un muy inteligente y centrado análisis de lo que fue esta década:

See, I have this hunch. I reckon that if you were to draw up a top 2,000 albums of every pop decade and compare them, the noughties would win: it would beat the 1990s decisively, the 1980s handsomely, and it would thrash the 1970s and 1960s. But I also reckon that if you were to compare the top 200 albums, it'd be the other way around: the 60s would narrowly beat the 70s, the 70s would slightly less narrowly beat the 80s, the 80s would decisively beat the 90s, and the 90s would leave the noughties trailing in the dust. Yeah, it's just a hunch – but it has the ring of truth. Because I think that the higher reaches of a chart of this kind demand something more than mere musical excellence: there has to be an X factor, the hard-to-define quality that you could call "importance" or "greatness".

Álbum Blanco

2009-10-29T15:36:00.004-05:00

Marcello Carlin se explaya en una muy buena reseña del Álbum Blanco. Toca puntos claves y muy interesantes acerca de la importancia y la existencia de este disco. El disco posmoderno de The Beatles por excelencia y decadencia.

Much can be and has been suggested about the White Album, of course; its semi-detached detours, its artful jumpcuts (Lennon’s cheery “Hey up!” from “Bungalow Bill” cutting straight into “While My Guitar Gently Weeps”) and, most of all, “Revolution 9” suggest a forebear of the jump-cutting culture of our present age, scanning the screens, flipping from channel to channel, mousing from website to website, never really settling. It is a loping mess of an album whose sequencing took a continuous 24-hour session at Abbey Road to agree. The record’s fierce discipline undermines its air of indiscipline. There are multiple stories being told here, perhaps a separate one for every listener, but which are the easiest to touch?

Phoenix - Lisztomania

2009-10-21T10:36:00.005-05:00

Una canción muy bien planeada y milimétricamente hecha es esta Lisztomania, tanto que cuando apareció nunca le presté atención, y sigo sin prestársela. Es una buena canción, de ello no hay duda, pero sus ganchos nunca lograron atraparme.

Eso hasta que vi el fan video hecho por alguien en YouTube que empacó la canción en una serie de imágenes nostálgicas de The Breakefast Club, Pretty in Pink y Footloose. Y la nostalgia, esa que tanto odiamos por acá, llegó con la muerte de John Hughes unos meses atrás. Buscando imágenes de Hughes me encontré con esta visión totalmente diferente de la canción. Algún genio de la Internet encontró esas cosas que le hacen falta a la canción y las puso en un video que funciona abrumadoramente bien. (Hay que agregar que el video oficial de Lisztomania es muy aburrido y le hace mucho daño a la canción).

Kid A el número 1 según Pitchfork

2009-10-02T10:30:00.005-05:00

Pitchfork ha hablado. El álbum número 1 de la década, según ellos, es Kid A de Radiohead. Es imposible pelear con eso, es decir, sí, Kid A es probablemente uno de los discos más grandes de los últimos diez años. Pero la pregunta esencial es ¿representa Kid A todo aquello que pasó en esta década? No lo sé. Creo que no. Y las razones que da Mark Richardson (el que hizo la reseña en Pitchfork) no son del todo claras para mí. Dice de Kid A:

Radiohead were not only among the first bands to figure out how to use the Internet, but to make their music sound like it, and they kicked off this ridiculously retro decade with the rare album that didn't seem retro.

Puede que haya algo de cierto en eso, pero el Internet que Radiohead 'aprendió' a usar era muy diferente al Internet que ha predominado en esta década. Y decir que el disco es un "rare album" que no parece retro es una cosa que realmente no me cuadra. Kid A es uno de los discos más retro que puede haber. Parece un disco del 78 con producción de nuestros días. Es un homenaje claro y directo a artistas como Kraftwerk, Can, Neu!, Brian Eno, Charles Mingus y Suicide. Todos ellos artistas que tuvieron sus puntos de creación más alta en (o antes de) los setenta. Pero no voy a discutir eso, Kid A es un disco maravilloso y merece estar siempre en el tope de muchas listas.

El que para mí es el disco más importante de la década quedó en el número dos de esta lista, hablo obviamente de Funeral de Arcade Fire. (Si usted es visitante frecuente de este blog creo que ya sabía eso.). Funeral es el disco que divide una década. Es el disco post-911 por excelencia.
Un álbum lleno de baladas pop apocalípticas pero a su vez esperanzadoras, con orquestaciones siempre en subida que terminaban en alguna explosión de ruidos, golpes y gritos. Arcade Fire también representa una especie de doble sentido en la historia de la década, fue de las bandas que más aprovecho su carácter 'indie', y justo cuando había amasado una gran cantidad de seguidores y hipsters logró redirigir su rumbo y llenó estadios y festivales de todos los calibres, expandiendo y haciendo mainstream el llamado 'indie'. Nunca perdieron su ambición y tuvieron a sus pies todo lo que quisieron tener. Eso es algo que muy pocos artistas lograron en estos diez años. Muchos se quedaron encerrados en su nicho de autoalabanzas y creyendo que todo lo bueno del mundo estaba en las reseñas de los blogs y de sitios como el mismo Pitchfork.

Pero volvamos a la lista. Viendo el top 10 hay algo muy interesante. Con excepción del disco de Panda Bear, las otras 9 posiciones son todas para discos de antes del 2005. Algo que no me esperaba y me sorprendió gratamente. Sobretodo porque fue luego del 2005 cuando este sitio empezó a caer en el tipo de cosas que siempre he criticado. Pero alguien en este foro lo acaba de decir mucho mejor y sirve para finalizar esta entrada:

I think the Kid A/2000-2002 lean in the top 10 has something to do with the fact that Pitchfork ca. 2000-2004 seemed to be a cerebral, indie-centric, avant-friendly version of the emerging '00s canon. And post-Arcade Fire Pitchfork started trying to write their OWN canon, positioning themselves as leaders, not followers.

The Hidden Cameras - In The NA

2009-09-25T09:58:00.004-05:00

Origin: Orphan es el nombre del más reciente disco de los canadienses The Hidden Cameras. Un disco que parece llevar un poco más allá el sonido refinado de la que hasta el momento ha sido su placa más exitosa, Awoo. El sonido de los Hidden se caracteriza por una mezcla de pop de cámara sesentero y una buena cantidad de ganchos lo suficientemente capaces de hacer comparar a esta banda con grandes de su época como Magnetic Fields o Belle & Sebastian.

In The NA es el primer sencillo de este disco que recién fue lanzado esta semana y que ha recibido reviews mezclados. A mí me gustó mucho, sobretodo este sencillo que logra con su video extender el significado de la canción. Un significado bastante difuso, eso sí. El video arranca mostrando a una especie de tribu posmoderna (que parece homenaje a Monty Python) marchando mientras la canción crece en sonidos que van creando expectativa hasta que un sintetizador entra y rompe la tensión junto a unos violines afilados y ruidosos. Presten atención al coro, es muy bueno (and it wouldn't be the single NA). No sé qué significa NA. No sé que quieren mostrar con el video. No sé qué quiere decir la letra. Pero la canción es muy buena y todo está rodeado de una muy buena cantidad de humor.

El disco es muy completo y tiene grandes momentos. Es muy triste que esta banda no tenga la popularidad que merece. Aunque en parte es culpa de los de siempre: Pitchfork. De forma infame le pusieron a este disco un 5.2, y hoy están promocionando con un 9.1 a una de las peores banda que se ha visto este año, unos personajes de San Francisco que tienen el pretencioso nombre de Girls y cuyo disco se llama Album, pero además tienen el descaro de llamar a su primer sencillo Lust For Life, una canción horrible, llena de lugares comunes y con un video espantoso. Pero bueno, así es Pitchfork. Una lastima

Daft Punk - Digital Love

2009-09-23T11:06:00.004-05:00

Vamos con una de las canciones grandes de la década. Este es el tipo de letras que en boca de otros artistas genera todo tipo de críticas por la ligereza de sus líneas. (Last night I had a dream about you / In this dream / I'm dancing right beside you / And it looked like everyone was having fun / the kind of feeling I've waited so long). Pero acá no, la aproximación de esta canción a su sentido romántico es brillante. La letra en su ingenuidad podría ser fácilmente la atracción que sienten dos adolescentes en su primer noviazgo, pero la voz robotizada con el viejo truco del vocoder lleva las cosas a otro nivel. Los sintetizadores que parecen sacados de una canción de los setenta, los riffs retro-futuristas y esa producción milimétrica llenan la canción de momentos sublimes.

Hay puntos específicos en esta canción que podrían estar entre los más importantes en la historia pop de esta década. El comienzo de la canción que toma el beat prestado de una canción de George Duke marca todo, se escucha lejos, como un radio mal sintonizado, pero a partir de aquí se construye esta gran pieza musical. El beat se queda al fondo y unos sintetizadores haciendo las veces de guitarra se toman la canción con unas secuencias simples y tremendamente pegajosas, la voz entra y todo se vuelve muy bubblegum, los tres versos de la canción y dos pequeños puentes pasan muy rápido, hasta el momento ningún coro, las guitarras sintetizadas pronto se convierten en un beat de baile y sin saberlo estamos metidos en una canción dance de grandes proporciones en donde los sonidos fluyen con una facilidad impresionante. Pero viene lo mejor y para mí la parte que define la canción: ese riff incrustado en la mitad que por unos segundos detiene el tiempo y da sentido a todo, luego de esto estamos bajo los poderes de la melodía, ya no podemos salir de ahí y Daft Punk se ha apoderado de nosotros. Son capaces y tan osados de detener la inercia que han creado y sacar un piano de la nada, un piano que siempre me recuerda a la Logical Song de Supertramp, y lo hacen para volver a invocar la voz robótica, esta vez con lo más parecido a una frase-coro que puede existir (why don't you play the game?), digo coro porque es con el recuerdo que nos quedamos luego de que acaba la canción, que por cierto termina en medio de unos efectos computarizados que rodean un muy buen solo de guitarra y el riff glorioso que se repite como para que nunca lo olvidemos.

Hay que recordar que todo el Discovery de Daft Punk hace parte de una banda sonora de una película anime, cada video que fue lanzado como sencillo contaba algo de la trama de la misma. En Digital Love un personaje de las galaxias se embarca en la misión de rescatar a una banda musical extraterrestre (aquellos del video One More Time) que ha sido secuestrada por una especie de villano o pirata del espacio. Es curioso, pero los efectos computarizados retro al lado de un video futurista dejan una sensación extraña, es como escuchar el emblemático Danubio Azul con imágenes de naves espaciales y satélites.

Una maravillosa canción para uno de los mejores momentos en la historia de Daft Punk. Si me pidieran hacer un ranking de canciones de la década Digital Love estaría en algún lugar de mi top 10.

daft punk - digital love

Yeah Yeah Yeahs - Maps

2009-09-18T19:33:00.004-05:00

Nos cogió la noche con esto del resumen de la década, que para efectos de este blog sólo se reducirá a recordar unas cuantas canciones, tal como lo hemos venido haciendo. Y pues a cada quien se le reconoce lo que es, y a los Yeah Yeah Yeahs lo que es de los Yeah Yeah Yeahs. Maps es una canción tan encarnada en el comienzo pop de esta década como cualquier cosa de los Strokes o de los White Stripes. Recuerdo por aquellos días que muchos se preguntaban quiénes eran los de ese grupo que sonaba tan misterioso pero a su vez tan familiar. Esa voz de Karen O. que quisiera escaparse de las notas y meterse en nuestra conciencia con esa frase tan repetitiva y pegachenta como lo es: "Wait, they don’t love you like I love you", esa percusión gruesa que imprimía el carácter misterioso a la canción y una guitarra que parecía resucitar a los Pixies en el comienzo de una década que todavía no se veía como una añoranza a los ochenta como después con gran fervor lo fue.

De los Yeah Yeah Yeahs en sus años posteriores es mejor no hablar, It's Blitz!, su último disco, parece encarrilarlos por un mejor camino, pero de Fever To Tell hasta hoy han pasado una buena cantidad de años, mucha agua ha pasado debajo del puente y Maps sigue trayendo buenos recuerdos, no porque haya sonado en todas las fiestas y reuniones sociales de los últimos siete años, sino porque Maps es una muy buena canción. Una gran canción.

yeah yeah yeahs - maps

The Beatles Remasterizado IX

2009-09-11T11:08:00.005-05:00

She's Leaving Home es quizá la canción más fina del Sgt. Pepper's después de A Day In The Life. Una canción de la que difícilmente se puede asegurar que es de The Beatles, pues lo único que aportan acá son las voces de Paul y de Lennon, pero eso sí, la canción lleva el inconfundible sello McCartney. La canción fue inspirada en una noticia del Daily Mirror, sobre una joven que dejaba su casa y toda la tragedia familiar que esto desencadenaba. Hasta ahí todo es parte de la historia y de esas cosas que siempre rondan la leyenda de The Beatles. Pero lo curioso del caso es la aproximación a la canción que se tiene desde las dos versiones del disco que existen. Hablo obviamente de la versión en Mono y en Stereo. Las dos versiones son tan diferentes que hasta se podría decir que el sentido y el mensaje de la canción cambia totalmente entre la una y la otra. Inicialmente la versión en Mono tiene una velocidad diferente (es más rápida) a su similar en Stereo. Eso hace que la versión en Stereo suene una nota más abajo, más grave. La versión en Mono es la toma original, es decir, tal cual Paul la cantó; para la versión en Stereo lo que hicieron fue cambiar la velocidad y hacerla más lenta. Las decisiones que llevaron a esto son totalmente desconocidas, se presume que se debió a algún tipo de problema técnico, pero las razones exactas no se conocen.

Hasta ahí todo normal, pero al escuchar cuidadosamente las dos canciones hay muchas cosas que cambian. La sonoridad en la versión Mono es de tal impacto que aunque la canción suena un poco lúgubre por lo agudo de su tonalidad, parece también celebrar el hecho de que la joven se va de su casa, es decir, musicalmente puede ser más oscura pero su lírica se trasforma totalmente y parece llevar un mensaje más 'alegre', o positivo si se quiere. Como si esta joven que se escapa de la casa fuese elevada a la categoría de héroe. Todo eso lo logra la textura que los violines y el arpa adquieren en su versión monoaural, también los vocales de respaldo de Lennon suenan más ironicos, como si jugara con la tragedia de los padres (we gave her everything money could buy) y se pusiera de lado de ella.

La versión en Stereo es una historia totalmente diferente. Los violines son más solemnes, más de iglesia, más sagrados. El arpa es más pura, más limpia. La voz de Paul es mucho más grave, en este caso la tragedia se consuma, los vocales de John alcanzan el nivel de un lamento de verdad. En la versión en Stereo se configura toda la tristeza familiar, acá todo se pone del lado de los padres, la canción llega a transmitir la angustia que pueden estar sintiendo al perder a su hija.

Lo más curioso de todo, lo casi increible de esto es que las dos canciones son exactamente iguales. A diferencia de otras canciones del cuarteto, en estas dos versiones no hay tomas diferentes ni instrumentaciones extrañas. Todo finalmente se reduce a las diferencias sonoras entre las versiones en Stereo y Mono, y claro, al cambio de velocidad. La versión en Stereo tiene una duración de 3.35 minutos y la versión en Mono dura 3.26.

Diez segundos de diferencia para dos canciones que tienen exactamente la misma información, pero que transmiten mensajes completamente diferentes. Así eran las cosas con The Beatles, y así es que nos gustan. (fun is the one thing that money can't buy).

she's leaving home (mono)

she's leaving home (stereo)

The Beatles Remasterizado VIII

2009-09-10T11:20:00.003-05:00

Thank You Girl es una canción extraña. Extraña en el sentido de que puede parecer una de las canciones más simples y rocanroleras de esa época inicial de la banda, de esas a las que nadie nunca se atrevería a comparar con I Am The Walrus o A Day In The Life. Y es ahí donde está lo raro de esta canción. Y mucho más raro en esta versión remasterizada en Stereo — debo decir que me gusta mucho más la versión en Mono, que es más cruda y parece llevar más fuerza, como si fuese tocada en vivo. Pero lo extraño de esta versión remasterizada es la decantación que se puede hacer mentalmente de la canción, fácilmente uno puede separar cada instrumento de los otros, identificar quiénes y en qué momento cantan y hasta se puede escuchar los finos golpes de la batería de Ringo. Pero esa separación no es gratis, no se trata simplemente de oír instrumentos por sí solos. Hay algo más. La armónica que sirve para rematar algunas frases de la canción es un artilugio tan Beatle y tan de los sesenta que me atrevería a decir es la versión beta de lo que harían después con las orquestaciones vaporosas en los discos de la segunda mitad de la década. Ringo al final de la canción rompe todo su esquema beat y lo somete a una serie de golpes secos, fuertes, que lo primero que se me viene a la cabeza es Keith Moon o canciones tan exigentes en percusión como la posterior Hello Goodbye. La voz de John se intercala entre unos gritos dulzones y unas frases agresivas que rasgan su voz (And aaall I goootta dooo is...), estilo que se volvió la firma de Lennon y que se hace más familiar en canciones como Run For Your Life o Ticket to Ride.

Una canción que puede ser entretenida y también intrascendente, pero que como casi todo lo de The Beatles, uno nunca sabe qué puede encontrar.

the beatles - thank you girl

The Beatles Remasterizado VII

2009-09-09T12:11:00.006-05:00

09.09.09

The Beatles Remasterizado VI

2009-09-08T10:37:00.003-05:00

Y bueno, mañana serán lanzadas las remasterizaciones, en su presentación en mono y en stereo. La caja en stereo se filtró en Internet desde el viernes en la noche y desde ese día no he podido dejar de escucharla, es casi como oír a una banda totalmente diferente. Y hay que tener en cuenta que los mp3 que están dando vueltas tienen compresión y que además he estado usando un sistema de audio de baja categoría, sin embargo, la diferencia es grandísima a los CDs de 1987. A Hard Day's Night y Beatles for Sale son los discos que más cambiaron. También hay canciones en donde los bajos y la batería han mejorado mucho, para aquellos que se atreven a decir que Ringo es un mal baterista, acá tendrán mucho que discutir y sobretodo, mucho para oír. Hay canciones que suenan más cercanas a su contraparte en vinilo, en Help!, sobretodo, que es un disco que suena muy diferente en vinilo y en el CD del 87. Acá las guitarras son definitivamente más limpias, las panderetas, las palmas y los sonidos acústicos sobresalen más.

Los discos en mono no se han filtrado en Internet. Ya veremos. Esta semana estaré comentando más cosas de las remasterizaciones. Por lo pronto los dejo con Your Mother Should Know, los que conocen la canción notarán una mejora en las voces, en los golpes del piano y en la reverberación de los platillos y la pandereta, aquellos que no conocen la canción no se preocupen, para mí fue como escucharla por primera vez.

¡Dios bendiga a The Beatles!, ¡Dios bendiga las remasterizaciones!, ¡Dios bendiga el capitalismo!

Let's all get up and dance to a song that was a hit before your mother was born.

the beatles - your mother should know

Se acaba Oasis

2009-08-28T19:06:00.005-05:00

En un mensaje dejado en el sitio oficial de la banda Noel Gallagher dice que se retira del grupo, en otras palabras, se acaba Oasis. No creo que Liam vaya a continuar y si lo hace sería destruir mucho más el nombre de un grupo que se debió retirar hace 10 años. Ahora bien, puede ser que sea uno de esos ataques que le da a Noel, pero viendo cómo han estado las cosas en los últimos años y teniendo en cuenta que Noel ha dicho en varias ocasiones que quiere hacer un disco en solitario, yo diría que esta vez es definitivo, y espero que así sea.

It's with some sadness and great relief to tell you that I quit Oasis tonight. People will write and say what they like, but I simply could not go on working with Liam a day longer.

Apologies to all the people who bought tickets for the shows in Paris, Konstanz and Milan.

One fine day
Gonna leave you all behind
It wouldn't be so bad
If I had more time

The Beatles Remasterizado V

2009-08-26T09:58:00.006-05:00

A dos semanas del esperado 09.09.09 Randy Lewis de Los Angeles Times nos cuenta algo de los remasterizados de The Beatles.

I also got them to cue up Harrison's "Savoy Truffle" from the White Album. As a longtime sax player, I wanted to hear how the sax section came through the remastering -- nicely fat -- but the part that grabbed the attention of everyone in the room was the screaming guitar solo, which picks up considerable sting in the new version

the beatles - savoy truffle

update 1 : Y dicen en uncut magazine:

History rewritten? No – history written honestly, truthfully, transparently, exhilaratingly, with no omissions or obfuscations. The Beatles up-close and personal. With blisters on their fingers.

Belle & Sebastian - Your Cover's Blown

2009-08-24T15:01:00.007-05:00

¿Es Your Cover's Blown la gran canción de B&S en esta década? Sin duda lo es. Y lo digo así, sin medir las palabras ni hacer inventarios de lo que fue para Belle & Sebastian el The Life Pursuit. Your Cover's Blown del Books EP es su mejor canción en estos diez años, seguida solamente por Wrapped Up In Books (pero sólo si se complementa con su buen video) y en el tercer lugar vendría Another Sunny Day (la culminación perfecta e inmaculada del pop que fabricó esta banda durante esta década). La cosa es que esa versión azucarada de Belle & Sebastian de los últimos años, a pesar de sonar mucho mejor, sigue siendo un poco invasiva para mí, así haya sido mucho más acorde con los tiempos y mucho más encarnada en el imaginario de la década. Todo esto sigue siendo curioso porque B&S parece una banda más para esta década, en cambio, para mí su mejor época sigue siendo en los noventa, con todo y sus imperfecciones sonoras y su poca ambición por el sonido. Sin embargo, el superar ese problema de ambición es el logro más grande de esta banda en toda su carrera.

Y es así precisamente como Stuart Murdoch decide empezar esta canción, dejando atrás el cuasi-nihilismo de cosas como Slow Graffiti y enviando un anuncio en homenaje y a su vez en directa oposición a lo que The Smiths alguna vez predicara: Say what you want and leave your shyness home / you should do what you want and write a little poem / Leave it for her and live another day / And you should leave it for her the girl around the way. Todo esto mientras B&S se encarrila en una experiencia sonora nunca antes escuchada en su trabajo, una versión disco-funk hecha con mucho cuidado y casi que plana y fría a pesar de su invitación al baile, aunque esta sección de la canción se entiende más en su contraparte llamada "Cover (Version)" y que es el lado B del mismo Books EP, sigue siendo interesante ese manejo de pista de baile que pretendieron imprimir en esta primera parte llena de sonidos sintetizados y brillantes.

Pero la canción avanza y se conecta con su segunda parte a través de un bridge muy extraño, una sección de bajo que avanza muy rápido acompañado de unos riffs de guitarra rasgados con miedo y una voz que, hay que decirlo, no es la mejor de Murdoch. Pero al escuchar cuidadosamente vemos que esa es la idea: I should've stayed home / The dj's picking up speed / That's something I just don't need / I should've stayed home. Lentamente B&S nos está llevando de su faceta extrovertida a una mucho más conocida por nosotros, nos está internando en un pasaje lleno de inseguridad y nerviosismo: I should've stayed home / I think I'll go home. Y finalmente así es, volvemos a casa.

La canción por fin llega al nivel romántico deseado y tal vez por eso, sin quererlo, se convierte en una más del canon Belle & Sebastian; sigue con su aire disco, pero esta vez mucho más natural, casi glam, con más coros y menos sintetizadores, es entonces cuando todo parece estar por fin en su lugar: Hey lady, meet my mum and dad / You're a strange aberration in this land of potted plants and boxlike houses / where the girls like mouses breathe a long sigh of resignation.

Sin duda alguna esta canción es un experimento, tal vez un ejercicio de qué tan lejos podían llegar haciendo temas bailables y menos introspectivos. Con Your Cover's Blown lo logran, pero eso sí, no tanto como lo lograrían después con el álbum The Life Pursuit. Esta canción simplemente marca la transición, acá todo parece encajar, no de la mejor forma, pero finalmente lo hace.

Your cover's blown I need to see you alone. El pop es circular.

belle & sebastian - your cover's blown

Blur: out of focus?

2009-08-02T14:16:00.003-05:00

En la mas reciente edición de Perfect Sound Forever Ashutosh Ratnam se extiende en un muy buen articulo acerca de Blur:

One can picture Blur dressed as pubescent schoolboys in an overexposed black and white pinup, smoking cigarettes in the loo, disinterested with and defeated by life. Picture them being huffed, puffed, blown away, and then run over by the Rolls Royces of Britain's big-bad-wolf band, Oasis. Picture them kidnapped and tied to chairs in a shooting gallery, being made the butt of syringe stoked, solvent fueled jokes cracked by the beautifully self-destructive phoenix that was Suede.

Which is tragic, because if Britpop did indeed help the UK's mercurial alternative rock scene "regain its voice for a while" (Ian Youngs, BBC Entertainment Correspondent) then Blur was the seed from which the it developed.

The Avalanches - Since I Left You

2009-07-17T14:30:00.007-05:00

Recuerdo empezar esta década con las frecuencias de esta canción retumbando en casi todo el espectro electromagnético de mi ciudad. Esta canción trae muchos recuerdos a mi cabeza pero prefiero no mencionarlos ya que siempre trato de evitar la maldita nostalgia, sobretodo en lo que a canciones se refiere, eso sí, la batalla con la nostalgia por lo general la pierdo, pero espero ganar la guerra.

Esta es una pieza amable, muy fácil de digerir y de una consistencia única, todo eso pese a ser compuesta por pedazos y retazos de muchas otras canciones. Pero ahí está precisamente la magia de esta canción y de este álbum, la capacidad de transformar elementos de otras piezas y convertirlos en canciones pop que en todo momento suenan naturales, que no son simples juegos de mix o mashups. En esta canción, por ejemplo, las flautas, los violines y los coros se unen a los sintetizadores (que además son muy sutiles) para moldear una serie de sonidos que nunca suenan artificiales ni mezclados, y que además, no sólo invitan al baile sino que también transmiten tranquilidad.

El video juega mucho con esto, mostrando a unos mineros en blanco y negro que salen de la tierra para verse envueltos en una especie de audición de baile con lindas mujeres y unos jurados con cara de profesores de Oxford (en un muy buen homenaje a Flashdance, por cierto), luego uno de los mineros empieza con movimientos algo torpes a seguir la canción para terminar tomándose el lugar con una coreografía completa y llena de movimientos muy fluidos. Tan fluidos como los sonidos de Since I Left You, una de las canciones que con su frescura inyectaba algo de esperanza a la nueva década que se veía venir, se separaba totalmente de los alienados noventas para sumergirse en la sacarina de la nueva década y por qué no, del nuevo milenio.

Living off the wall...

2009-06-26T10:27:00.005-05:00

No había hablado de Michael Jackson simplemente porque tenía muchas ideas dando vueltas en la cabeza y no sabía la mejor forma de decirlas. Todavía no sé cómo decirlas. No sé, incluso, si tengamos que hablar de Jackson, de seguro lo tenemos que recordar, de seguro lo recordamos, no creo que exista persona mayor de 20 años sobre la faz de la tierra que no haya recordado, así sea en lo más mínimo, la figura de Michael Jackson el día de su muerte. Porque con Jackson las cosas eran así, todas sus cosas giraban en torno a una sola entidad, en torno a un solo organismo que encapsulaba todo: su música, su vida, sus éxitos, sus desgracias y hasta su desaparición. Prefiero hablar de desaparición y no de muerte, o destrucción, si así lo prefiere, porque así fue como pasaron las cosas, todo fue un largo y doloroso proceso hasta el día final, día en el que se completo todo, día en el que la figura deja de respirar y pasa a otro plano, al plano de las deidades, de las almas y de los inmortales. También hay que decirlo, Jackson es de los inmortales más jóvenes que ha dado la humanidad.

Su vida fue única. Así eso suene cliché, pero con él no había nada cliché, la unicidad de su vida es tan trágica y fantasiosa que parece cuento de ciencia ficción, fue sin lugar a duda el único experimento pop que se ensayo durante toda una vida, resultó siendo el (bio)producto más exitoso de cualquier firma comercial, fue el triunfo total del poder, y así lo demostró siempre: recuerdan ustedes las estatuas con las que se promocionó History en Europa, unas figuras tenebrosas que invadieron lugares claves de la geografía para mostrar al mundo que ahí estaba él, omnipresente, gigante, cosas de esas que a cualquier dictador alguna vez le hubiese gustado hacer. Jackson no era dictador, pero siempre encapsuló más poder que cualquiera.

No fui capaz de revisar toda su discografía, tampoco recuerdo la última vez que lo hice, fue hace muchos años, de eso estoy seguro. Lo que sí he hecho en estos días es repasar muchas veces Off The Wall, mi disco favorito, y quizá es mi disco favorito porque fue al que más tarde llegué, no lo sé, no lo podría explicar, ojalá algún día pueda volver a sus otros discos y encontrarme con que Off The Wall no es tan bueno. De momento me parece un disco magistral, tan natural y fluido, es inmediato y directo, una joya del pop y un disco que espero tener siempre presente, algunos lo llaman un álbum Disco, pero no lo es, el Disco es simplemente el vehículo, este álbum está lleno de otras cosas, de canciones tan funk que ya hubieran querido los Gang of Four componer una canción tan bailable y llena de conciencia como Rock With You. En la misma Off The Wall Jackson es capaz de predecir su propia existencia con exactitud meridiana Life ain't so bad at all / if you live it off the wall, y qué decir de Don't Stop 'Til You Get Enough, la gran canción de Jackson, quizá no fue su punto más alto comercialmente hablando, pero es la canción que marca su gran comienzo, es el Jackson que dejaba su imagen de adolescente prodigio para convertirse en el adulto prodigio, en el más grande, el omnipresente y el único.

En estos días en los que la economía parece dar pasos en falso Jackson había decido hacer un regreso, quizá no para demostrar su poder, sino tal vez para demostrar que aún estaba vivo, nadie sabía cómo iban a resultar esas giras, y ahora nadie lo va a saber, y muy acorde con los tiempos, el paradigma más grande del capitalismo ha muerto, se ha ido dejando toda su historia en las canciones y las imágenes, dejándonos conocer su vida por medio de los chismes, dejando una vida que nunca tuvo y que siempre quiso deformar, trastornar, mostrarnos que él podía renacer y que era tan fuerte y tan grande como sus estatuas. Se fue Jackson, y con el único recuerdo que me quiero quedar es con Off The Wall. Así será.

Blur - Out of Time

2009-06-18T09:47:00.006-05:00

Out of Time, quizá la mejor la canción de Blur en esta década, fue publicada en el 2003 por un Blur desmembrado, sin Graham Coxon. Es una canción tristemente acústica, con una línea de bajo dominante. Representa, y la canción carga con todo ese peso encima, la despedida del Blur que todos conocimos y disfrutamos. Y la canción lo sabe, sus líneas están llenas de nostalgia:

and you've been so busy lately
that you haven't found the time
to open up your mind
and watch the world spinning gently out of time

Blur está de vuelta. Completo. Con Coxon en las guitarras. Y la canción arranca diciendo "where's the love song to set us free/too many people down, everything turning the wrong way round". Pues aquí está, esta es la canción de amor que estamos buscando: Graham ejecutando las notas de Out of Time. Es tan emotivo como la sonrisa que hace Damon Albarn en el segundo 0:36. Él lo sabe, él sabe que es emocionante y que así Blur vuelva a desaparecer para siempre este era el momento que faltaba para que la historia fuera completa. Así tenía que ser.

Actualización: Acá se puede ver a Blur ensayando Out of Time. También vean este ensayo maravilloso de Sunday Sunday.

The Beatles Remasterizado IV (Rock Band)

2009-06-16T09:09:00.005-05:00

Como parte del gran lanzamiento que se hará el 9 de Septiembre de material de The Beatles, quizá lo único nuevo, teniendo en cuenta que entre los remasterizados no hay nada nuevo, sólo un forma diferente de oír las mismas canciones, está el juego Rock Band. Se trata de uno de estos modernos sistemas de videojuegos en los que los participantes tienen la oportunidad de pertenecer en una banda virtual, tocando instrumentos y siguiendo, una a una, las notas que aparecen en la pantalla. Para el caso especifico, el juego vendrá con las canciones del cuarteto, y la idea es intentar ser Ringo Starr o John Lennon por un momento de nuestras vidas. En este demo se puede ver muy bien de qué se trata la cosa.

Sin duda alguna los videojuegos están pasando por su época dorada, algunos dicen que en asuntos culturales, los videojuegos pasan por el mismo momento por el que pasó la música pop en los años sesenta. Es decir, toda una explosión de ideas, formas, movimientos sociales y demás. Quizá es por esa razón que la banda más popular de la historia no se podía quedar atrás. El juego ha sido presentado por todo lo alto, desde ya es un éxito, y muy seguramente al ver los números, The Beatles Rock Band llegue a vender mucho más que los discos remasterizados. No hay nada raro en eso.

Ni mi beatlemanía ni mi bolsillo llegan tan lejos como para comprar el aclamado juego. Que me parece muy interesante, eso sí. Además que para jugar esos videojuegos de hoy en día se necesita hacer toda una convocatoria, y yo no creo tener toda esa cantidad de amigos interesados en jugar Rock Band conmigo, además se necesita tener mucho espacio en la casa para alojar todos esos instrumentos. En mis días sentarse a jugar estas cosas era todo un ejercicio de introspección, uno solo frente a la máquina, fuese Atari o Nintendo, aprendiendo cada uno de los detalles del juego, dañando nuestros ojos, perdiendo el tiempo y, los que éramos más solitarios, cultivando la misantropía. Ahora no, para jugar Rock Band hay que organizar una fiesta, para jugar cualquier otra cosa es casi obligatorio tener conexión a internet, hacer redes sociales y matarse con sus similares japoneses desde la comodidad del hogar. Eso sí, acepto todas las invitaciones que me hagan para jugar, tampoco soy un viejo gruñón y amargado, no del todo.

Pero bueno, volviendo a la presentación que se hizo del juego, hay que decir que el video que hace parte de la campaña publicitaria es realmente maravilloso. Son dos minutos y medio en donde se muestra prácticamente toda la historia del cuarteto, con tanto nivel de detalle que hay referencias a casi todas las canciones de The Beatles. Se parece mucho al video que se hizo de Free as a Bird, en donde cada imagen hacía referencia a canciones o momentos históricos de la banda. Así es esta animación, llena de referencias y cosas por todo lado. Muy bonita.

Goldfrapp - Utopia

2009-06-04T21:35:00.004-05:00

Para mí el comienzo de esta década siempre estará ligado al recuerdo de Utopia, la gran canción de Goldfrapp. Fue el segundo sencillo de álbum Felt Mountain, el primer trabajo que salió al mercado del famoso dúo y que a la fecha es sin duda alguna su mejor placa, es insuperable desde todo punto de vista y fue un refrescante y promisorio disco para aquellos días. Aquí la voz de Allison Goldfrapp es profunda y pura, logra meterse y filtrarse por cada uno de los poros de la canción, y lo hace sin mayor esfuerzo, con una naturalidad propia de las grandes voces de la historia de la música. La voz juega un papel fundamental en esta pieza, pero la instrumentación es la encargada de llevar esta canción a otro nivel. Hay que recordar que para esos días se sentía la resaca de la gran y fría fiesta que fue el trip hop, poco discos podían superar lo ya hecho sin sonar repetitivos ni burdas copias de los grandes, así que en cierto sentido, el mérito de Goldfrapp estuvo en dar ese último respiro a lo que fue este género. La orquestación electrónica que en todo momento realza la canción es brillante, imprimiendo un ambiente muy luminoso a la canción pero no por eso en contra de la oscuridad y casi enigmática temática de la letra, la Utopía de Goldfrapp es ese mundo dominado por la ingeniería genética, o por cualquier tipo de manipulación tecnológica que permita ser mejores (I'm wired to the world / That's how I know everything / I'm super brain / That's how they made me). Nadie necesita un super-cerebro, pero desafortunadamente todos estamos cableados a este mundo.

Animal Collective - Taste

2009-05-29T15:11:00.004-05:00

Confieso que dejé de reseñar Merriweather Post Pavillion (MPP) porque no pude con el hype. Me pareció insoportable toda la sobre-exposición que estaba teniendo el disco, un disco que no tiene más merito que ser un buen trabajo pop. Nada más. Merito muy grande, eso sí, pero no para tanto. Así que con Taste espero cerrar ese ciclo que de alguna forma dejé abierto, que igual no tenía porque cerrarlo, pero que gracias a un post que leí hace unos días sentí que tenía que dejar unas cosas en claro. Sobretodo en términos de lo que significa este disco, pero más importante aún, lo que NO significa. Para empezar me gustaría citar lo que aparece aquí en este post de hace unos meses acerca de los perfiles de los fanáticos de AC:

Estereotipos de los fanáticos de Animal Collective:

a) aquellos que están muuuy conectados con las 'nuevas bandas' y 'las novedades musicales' y el 'qué está pasando' en el mundo de la música independiente.

b) aquellos a los que 'no les importa lo que está pasando en la esfera de la música alternativa' porque a ellos 'sólo les importa saber de la música que pueden SENTIR'.

c) aquellos que pretenden juzgar la música sólo por 'cómo suena' pero secretamente revisan los números de Pitchfork semanalmente para construir lo que realmente les gusta basados en lo que las masas están consumiendo.

Afortunadamente no soy fan de Animal Collective porque no me gustaría caer en ninguna de esas categorías. Soy fanático de otras bandas de las que sus seguidores son encasillados de peor forma, y en realidad no sé porque estoy citando ese blog ya que los que escriben ahí me parecen unos pretenciosos babosos, con buenos chistes eso sí, pero pretenciosos... en fin, la cosa es que el pendejo de Hipster Runoff hasta tiene algo de razón. El asunto con los Collective es muy aburrido, han sido bendecidos por la critica musical 'independiente', pero en realidad no han hecho los suficientes méritos para ello. Y eso nos trae al segundo artículo, el que inspiró esta entrada, a ese lo podemos resumir como "I Hate Animal Collective" y en uno de sus apartes dice:

Their music is... inoffensive. It's a meandering, granola-dude iteration of the Beach Boys' forgettably sunny pop for (and by) sampler-saavy postmodernists. Or, as one friend said, "it's a bunch of cut-rate competent musicians fucking around with delay pedals." Either way, it's hardly the kind of music that invites intense reactions.

Esa es una de las muchas razones que da el autor para odiar a Animal Collective. Y aunque no estoy de acuerdo con lo que dice, o más bien, sí estoy de acuerdo con lo que dice pero no estoy de acuerdo con que por ello haya que odiar a la banda. Porque sí, los AC se han encargado de jugar con el pop, sobretodo ese pop barroco de los Beach Boys, pero lo han hecho bien. No hablo de sus anteriores discos que son más bien aburridos (exceptuando Here Comes The Indian que me parece un experimento sonoro interesante), hablo de su gran disco a la fecha, Merriweather Post Pavillion, que es un gran ejemplo de deconstrucción del pop, así como también lo es, para mí, su gran canción en toda su carrera, Chores. Porque es que si los Collective han demostrado hacer algo bien es pop, pero lo vinimos a saber hace apenas unos pocos años, sin embargo, la prensa independiente y los blogs han generado un efecto bola de nieve durante toda la existencia de la banda. Porque si a mí me preguntan cuál es mi disco favorito de los AC, a ojo cerrado digo que es Person Pitch, aquel experimento que hizo Panda Bear en solitario. Person Pitch es el trabajo que da las bases de lo que es MPP, y todo lo que es Person Pitch se ve resumido en esta canción, Taste, una canción que no suena a nada diferente a "un montón de musicos de baja estirpe pendejiando con pedales de distorsión y retardos", y es que eso es Animal Collective, y les funciona, o al menos les está funcionando, y bendecidos sean ellos por eso. Pero ya, no más, no son la banda que nos sacará de la oscuridad musical, no son una banda mayor y es difícil que lleguen a serlo. La pregunta es, ¿quién necesita de bandas mayores a estas alturas de la vida?

No lo dije, pero Taste es una de las canciones del año, no es más bonita que Bluish, pero es definitivamente una muy buena canción. Y ya, por favor, dejen de hypear a Animal Collective (así eso sea lo que yo esté haciendo con este post).

animal collective - taste

The Vaselines - The Day I Was a Horse

2009-05-21T10:15:00.005-05:00

En este blog queremos mucho a The Vaselines, hace casi tres años reseñé a la banda y puse algunas canciones que, curiosamente, todavía se pueden oír. Esa banda que parecía quedarse en el olvido regresó este año con una compilación muy bonita por parte de Sub Pop Records. Se reunieron luego de 20 años y están haciendo una gira muy interesante que por cierto, cuenta con el respaldo de dos músicos de Belle & Sebastian. Enter The Vaselines es el nombre de esta edición doble con todo lo publicado por la banda en sonido remasterizado y un disco extra con demos y cosas en vivo. El sonido de The Vaselines es muy pertinente ahora, y mucho más en este blog, luego de haber hablado de Vivian Girls y haber tocado el asunto del twee. Es pertinente porque luego de 20 años el sonido de esta banda parece intacto, es más, en vivo parece que las canciones tomaran una nueva cara, muy lejos de ese sonido timido e inseguro que a veces parece reflejar su música, las canciones se tornan muy musculosas y ultra-compactas. El regreso de The Vaselines llega a contrastar y a mostrar quienes son los padres de ese sonido de Brooklyn de hoy en día, cuyos hijos son bandas como Crystal Stilts, The Pains of Being Pure at Heart y las ya nombradas Vivian Girls (¿qué pasaría si las Tiger Trap decidieran volver?).

Aquí está una canción muy divertida, con un manejo exquisito del clásico juego de voces frase-respuesta, hablo de The Day I Was a Horse. También dejo a ustedes quizá la canción más bailable de esta banda, una súper canción pop llamada You Think You're a Man. Dos canciones que tal como van las cosas hoy en día, nadie diría que fueron publicadas hace 20 años.

the vaselines - the day i was a horse

the vaselines - you think you're a man

Vivian Girls - Moped Girls [for Us]

2009-05-15T09:54:00.004-05:00

¿Por qué no hacemos un video donde mostremos que no nos importa nada?

Huy sí, eso me gusta. Yo podría salir con una bolsa de papel en mi cabeza.

Y tu podrías bañarme con leche.

A mí me podrían aplastar un pastel en la cara.

Qué buena idea, y yo te podría pegar con el bajo y te ponemos pintura para que parezca sangre de verdad.

Bueno, listo, pero entonces yo digo "Fuck you!"

OMG, este video va a ser muy cool. La gente va notar de inmediato que tenemos sentido del humor.

Pero, ¿cómo me veo hoy? Yo sé que soy divina pero por si acaso me pondré un brassiere con relleno.

* La canción y el video dejan mucho que desear, pero tienen un sentido de la inmediatez que me dan miedo. Es tan pegajosa como una canción de Britney Spears, con la única diferencia que Britney sí es cool. Pero debo confesar que lo que realmente me da mucha piedra es que la gorda fea usa unas gafas iguales a las mías.

Wilco - You Never Know

2009-05-13T14:05:00.003-05:00

La música pop está llena de repeticiones, de eso no hay duda. Es una cosa inevitable, los ciclos se repiten y a los artistas les gusta mirarse en los espejos de otros. Yo no le veo mucho problema a eso siempre que las cosas se hagan bien, con un mínimo de dignidad y sin falsas pretensiones. Wilco hace un sencillísimo homenaje a George Harrison en esta canción, no sé si concebido de esa manera, quizá no. Con un sonido que directamente remite a los años como solista del ex-beatle, los Wilco presentan en esta canción una pequeña reflexión acerca de eso, lo cíclico de nuestro mundo (every generation thinks it's the last/worst, thinks it's the end of the world), con un piano que parece directamente tomado de This Song, una slide guitar tal como la usaría Harrison en cualquiera de sus discos y unos coros muy Beatle, por momentos se siente estar escuchando My Sweet Lord.

wilco - you never know

God Help The Girl

2009-05-08T17:42:00.007-05:00

Muchos de ustedes saben de mis problemas con Pitchfork, pero de alguna forma es un problema reciente, a mí me gustaba mucho durante la primera parte de esta década y no dejaba de visitar ese sitio varias veces al día, creo que lo visitaba más que allmusic.com, y eso es mucho decir porque después de google, eltiempo.com y mis correos electrónicos, allmusic es definitivamente la página que más he visitado en mi vida. En fin, a mí me gustaba mucho los artículos de este estilo, que de un momento desaparecieron por culpa de la inmediatez y el chisme barato en el que se metieron después del 2005. Ellos cambiaron, y yo, por fortuna, también. Tweet as a fuck es probablemente uno de los últimos artículos en ese estilo que me gustaba tanto. Aunque también hay que decir que hay algunas columnas que todavía sigo con ojos de fan, como por ejemplo Poptimist, de Tom Ewing, el mismo de FreakyTrigger, sitio que también acostumbro a visitar.

Pero bueno, ese no es el punto, les cuento esto porque ese artículo de Tweet as a fuck logra llegar muy bien al tema del indie pop, de las raíces y de cómo un movimiento sin mayores pretensiones llega a convertirse en uno de los estilos más dominantes en la escena musical de los últimos veinte años. El twee nació por lo menos 25 años atrás como la versión naïve del pop, fue el punk al revés, no pretendía llenar de rebeldía sus acordes, tampoco quería parecer diferente. Sin embargo, con los años, logró llegar a muchos lugares y volverse masivo, con bandas como Belle & Sebastian, The Magnetic Fields, y en esta década, con todo los montones y montones de bandas que han salido bajo esa influencia, incluso este año tenemos un gran ejemplo, The Pains of Being Pure at Heart, una banda con un nombre horrible (casi tan horrible como Casiotone for the Painfully Alone) que se han encargado de usar una fotocopiadora de muy buena calidad para hacer su disco tomando/robando cosas de My Bloody Valentine, The Orchids, Shop Assistants, Another Sunny Day y demás bandas de sellos como Sarah Records, lo peor de eso es que The Pains of Being Pure at Heart copian desastrosamente bien todo, les funciona, por decirlo así.

Ahora sale al mercado lo que algunos han querido llamar el musical del twee. Un disco que gira alrededor de cierta temática y que puede llegar a convertirse en una película. El proyecto God Help The Girl es el trabajo de la mente maestra de Stuart Murdoch, el cerebro detrás de Belle & Sebastian. Un disco muy interesante. Yo no lo llamaría musical ni mucho menos twee, esa palabra ya está muy prostituida y además Stuart Murdoch y B&S salieron de ese corral hace mucho, gracias a Dios, así a veces pretendan otra cosa.

Para el proyecto Murdoch y algunos de sus amigos se encargaron de hacer audiciones a muchas mujeres interesadas en participar, y al juzgar por las fotos y las imágenes, parece ser que la voz no era la única cualidad necesaria para entrar, eso es muy bueno, demuestra que Stuart siempre ha tenido muy buen gusto y sabe muy bien que para hacer un grupo de pop exitoso se necesitan caras bonitas y no solamente buenas voces.

El disco me ha gustado, lo he estado escuchando en los últimos días y cada vez crece más. Cuando escuché en un comienzo que se trataba de un grupo femenino de inmediato me remití a esos grupos de los sesentas que tanto gustan a B&S, y obvio, cómo no acordarnos de la linda Isobel Campbell, no estaba muy lejos, este disco parece un gran homenaje al pop de los sesentas, también sirve para explorar algunas cosas que los B&S ya no hacen, como esas íntimas exploraciones al jazz y al soul. El disco también contiene dos canciones del Life Pursuit que han sido revisitadas para la ocasión y que son un gran ejemplo de algo que muchas veces hemos hablado acá, la maleabilidad del pop, recomiendo especialmente la versión de Act Of The Apostle II, por momentos parece superar la canción hecha por Belle & Sebastian. En definitiva, un disco que se siente muy bien trabajado, quizá se hubiera podido hacer algo más en la producción, sin decir que esté mal producido hay pequeños huecos que hacen decaer el sonido de ciertas canciones, ejemplo Come Monday Night, en ciertos pasajes es como si la canción no fuera más que un demo con buen sonido, el disco también pareciera caer en lugares comunes pero de eso se recupera muy pronto. No es un álbum perfecto, pero sí lo suficiente para pasar un rato agradable.

god help the girl - god help the girl

Junior Boys - Parallel Lines

2009-05-04T16:53:00.004-05:00

Hay algo muy artificial en esta canción que no cuadra, que no llena. Es como si ese uso tan puro de los recursos electrónicos llegara a ser tan limpio y liso como un iPod. Tan blanco que no permite errores, una producción tan detallada que no deja la posibilidad a sus oyentes de imaginar, de jugar, de meditar. Un beat lento y muy atractivo sobre el que se desenvuelve una somnífera canción que puede ser perfecta para escuchar justo antes de caer bajos los efectos de algún tipo de anestesia (Señor anestesista, puede usted poner Junior Boys mientras me duermo). Pero bueno, eso no es malo. Son las desventajas de ese pop de sintetizador, Röyksopp cae frecuentemente en ese tipo de problemas. Parallel Lines me gusta porque adormece, de alguna forma es una anti-canción, tiene muy definida la línea pop que tiene seguir y se aferra a ella, y lo hace con dignidad, pero no logra su cometido, suena incompleta por la ejecución tan minuciosa de sus aparatos.

junior boys - parallel lines

P.D.: Ojalá todos sigan visitando el blog de la década. Encuentra uno cosas tan chéveres como esta.

Leonard Cohen - Dress Rehearsal Rag

2009-04-29T17:35:00.003-05:00

leonard cohen - dress rehearsal rag

Las cuatro de la tarde y no tengo ganas de nada,
me digo "¿dónde estás muchacho de oro? ¿dónde está tu famoso toque mágico?"
Yo pensé que sabías dónde se la pasan todos los elefantes,
yo pensé que eras el príncipe coronado del reino de marfil.
Mírate por un momento, no hay mucho qué rescatar,
y esa amarga voz en el espejo que te dice: "Príncipe, necesitas afeitarte"
Ahora, si tu puedes controlar tus inseguros dedos por qué no desenvuelves esa cuchilla de acero. Sí, así es. Hemos llegado a esto.
Hemos llegado a esto y dime, ¿no te pareció largo y extraño el camino que nos tocó recorrer?

No hay agua caliente y la fría esta corriendo lentamente.
Bueno, ¿qué esperabas de la clase de lugares en los que acostumbras a vivir?
No bebas de ese vaso, está roto y desportillado.
Esa no es la luz eléctrica, mi amigo, esa es tu visión que ya está borrosa.
Cubre tu cara con jabón, así es, ahora eres Santa Claus,
y tienes un regalo para todos aquellos que te aplaudan.
Yo pensé que eras un hombre ágil, pero nunca pudiste seguir el paso.
Eso que ves en el espejo es un funeral y se detiene ante ti.
Sí, así es. Hemos llegado a esto.
Hemos llegado a esto y dime, ¿no te pareció largo y extraño el camino que nos tocó recorrer?

Alguna vez existió una opción y una mujer de cabello castaño,
tu pasaste algunos veranos recogiendo las moras que allí crecían;
hubo una época en que ella era sólo una mujer,
oh sí, una época en que ella era tan sólo una niña,
y tu la abrazabas en las sombras donde crece la maleza.
Y entonces subiste al pico de una montaña,
y cantaste por todo lo que veías,
y en cualquier lugar que vagabas el amor parecía ir contigo.
Eso es algo difícil de recordar y hace que cierres tu mano con fuerza.
Y entonces, ahí están, las venas sobresalen como grandes avenidas sobre tu muñeca.
Sí, así es. Hemos llegado a esto.
Hemos llegado a esto y dime, ¿no te pareció largo y extraño el camino que nos tocó recorrer?

Aún puedes encontrar un trabajo, ve y habla con un amigo.
En la parte trasera de cada revista hay cupones que puedes enviar.
Por qué no te unes a una religión de la Nueva Era,
ellos te pueden devolver la esperanza,
puedes encontrar el amor en dibujos sobre un papel.
Pero ya usaste todos los cupones,
excepto por ese que está escrito en tu muñeca junto a miles de sueños.
Ahora Santa Claus aparece y tiene una chuchilla en su mano;
y él se pone sus gafas negras y te muestra donde hay que golpear;
y luego la cámara se mueve, se detiene en la maniobra, amigo,
es un ensayo improvisado,
es sólo un ensayo improvisado,
tu sabes qué es esto,
es sólo un ensayo improvisado.

P.D: Si quiere pasar un rato lleno de amor y odio, nostalgia y desesperanza, vida y muerte, llanto y risa, delirio y sabiduría; hágase un favor y sírvase un whisky, siéntese a ver el concierto de Leonard Cohen en Londres, le aseguro que su significado de lo qué es la vida cambiará, o por lo menos le resultará menos miserable.

Camera Obscura: A Band Beginning With C

2009-04-28T19:51:00.002-05:00

Camera Obscura are a great pop group...

Parte 1 Parte 2

The Beatles Remasterizado III

2009-04-23T16:25:00.003-05:00

Bueno, veamos qué es lo que hace que el anuncio de la EMI sea tan importante y por qué muchos de los fanáticos hemos estado esperando esas remasterizaciones por años. No pretendo entrar en mucho detalle porque no soy un experto, no sé nada de ingeniería de sonido y la verdad, lo poco que sé lo he aprendido por leer tanta basura de The Beatles. Tampoco soy un audiófilo, que me gustaría serlo, a quién no, pero no tengo el dinero ni los medios para ello. Sin embargo, trataré de poner en contexto muchas cosas y dimensionar un poco a lo que nos enfrentamos con esto de las remasterizaciones, que desde ahora lo digo, puede llegar a ser un total fracaso, como también puede llegar a ser uno de los hechos más importantes y sobresalientes de la era de la música digital. En las próximas semanas ustedes encontrarán en este blog una serie de posts aburridos y en ocasiones largos, creería que solamente interesantes para fanáticos de la banda, aunque espero que no sea así.

(sabrán ustedes perdonar el uso de tanta palabra fea, precisamente hoy, día del idioma)

¿Qué es eso de la remasterización?
Pues para que exista remasterización, como el término lo indica, tiene que existir masterización. Entonces, ¿qué es una masterización? Un máster es la mezcla final que se obtiene luego de que el productor y los artistas han hecho todo su trabajo, la cinta máster es aquella que se transfiere a CDs, DVDs, Vinilos, Cassettes y por qué no, mp3s. De una cinta máster salieron todos los vinilos que en los sesentas conoció el mundo de The Beatles. Ahora bien, la cosa no es tan sencilla como parece, por lo menos no para esos días. La tecnología de grabación sufrió muchos cambios durante la década de los sesentas y por tanto, la música producida en aquellos días también. Para empezar, The Beatles empezó su carrera grabando en cintas de dos pistas, quiere esto decir que en ocasiones los vocales iban por una y los instrumentos por otra, la mezcla (o creación de la cinta máster/masterización) consistía en saber balancear y ecualizar éstas de la mejor forma posible, cosa en la que George Martin era prácticamente un genio. Los dos primeros discos y los cuatro primeros sencillos del cuarteto fueron grabados en máquinas de dos pistas; los discos más importantes, diría yo, de The Beatles y la música popular en general, fueron grabados en cuatro pistas, incluyendo el Sgt. Peppers (1967) y el Pet Sounds de los Beach Boys (1966); desde el Álbum Blanco hasta el final de la carrera de la banda se uso ocho pistas en las grabaciones, creo que la producción que hizo Phil Spector de Let It Be fue la única cosa de The Beatles que llegó a usar 16 pistas. Como es evidente, más pistas quiere decir más combinaciones en la mezcla y mejor oído para balancear y ecualizar sonidos. Con el sistema de 2 pistas ya era posible tener varias mezclas dependiendo del volumen y el balanceo del sonido, ahora imaginen la combinación con 4 u 8 pistas, y más si se piensa en toda la experimentación que The Beatles empezó a adoptar en sus años de madurez musical. Por lo general, todos estos niveles de volumen y detalles de la mezcla se registran en sendos libros para permitir su reproducción futura, en el caso, por ejemplo, de que se pierda o se dañe la cinta máster.

Sin embargo, durante los sesentas, no sólo los métodos de grabación cambiaron, también se dio un importante cambio en la forma de reproducción musical: el gran salto del sonido monoaural al estéreo. Y entonces, ¿qué influencia tuvo esto en el sonido de The Beatles? Mucha, yo diría que es uno de los grandes puntos de debate entre la comunidad Beatlemana. Prácticamente los primeros años de la banda estuvieron dedicados al sonido mono, eso quiere decir que para aquella mezcla final, de la que hablamos antes, el productor tenía que sentarse a oír y corregir una y otra vez la versión en sonido monoaural de la cinta máster, ya que ésa era la mezcla que íbamos a oír en los discos (por alguna extraña razón me incluyo siendo mis padres para esos días apenas unos niños). Y si la cinta máster estaba destinada a un sistema de reproducción en estéreo, la mezcla tenía que sufrir cambios y por tanto resultaba totalmente diferente. Pues a todo esto les tocó enfrentarse a The Beatles. Hay gente que dice que muchos discos estaban destinados a ser escuchados en mono, como la versión original del Sgt Peppers, cuyas mezclas en mono y en estéreo difieren en muchas cosas. Hay otra gente que dice que a The Beatles no les importaba para nada el sonido mono ni el estéreo, que eso era un problema técnico y lo dejaban en manos del productor. Nada de eso lo sabemos. Yo creo que a The Beatles les importaba mucho eso, así se deja ver en este libro. Pero bueno, para terminar de adornar el problema y confundirlos más, toda esta cantidad de cosas que acabo de decir se hacía en Londres, y si hoy en día tenemos problemas para la distribución de la música en el mundo, imagínese en esa época que la industria discográfica estaba en pañales. Resulta que en Estados Unidos la compañía que distribuía a The Beatles era Capitol Records, y ellos, por algún motivo, decidieron que algunos discos de la etapa inicial (62-65) tenían que salir en estéreo, y la mezcla original se había hecho en mono para los discos de UK. Entonces, los ingenieros de la Capitol hicieron nuevas mezclas. Es por eso que existen lo llamados discos americanos o discos de la Capitol, que no sólo difieren con las versiones de los discos publicados en Inglaterra en el orden de las canciones, sino también en los nombres de los discos, las carátulas (entre ellas la famosa carátula del carnicero) y en algunas sutiles diferencias en sus canciones. Después de Revolver (1966) se decidió que la distribución sería la misma para ambos lados del atlántico.

Bueno, esto ya está muy largo y todavía no hemos dicho qué demonios es la remasterización. Es muy fácil, pero lo explicaré luego de conocer otro detalle importante en la historia de la distribución de la música de The Beatles. Pasaron los años y apareció el CD. Un formato digital al que todos conocemos muy bien, su bondad más importante es permitir almacenar música por largos periodos de tiempo sin daño alguno, gran ventaja sobre el vinilo, aparte eso sí, de la portabilidad. En fin, en 1987 se decidió pasar todo el catálogo del cuarteto a CD, y en aquellos días la expectativa fue tan grande como la de hoy en día con estas remasterizaciones. Para tal efecto, la EMI tomó una serie de decisiones con respecto a la música de The Beatles. La primera, todo el catálogo se iba a unificar y no existiría más la diferencia entre discos gringos y británicos, de ahí en adelante todos los CDs de The Beatles iban a seguir las versiones británicas de los discos*. La segunda, los primeros discos (62-65) saldrían en versión mono, tal como fueron concebidos por George Martin. La tercera, para el proceso se llamaría a George Martin y a algunos ingenieros de la época. El resultado de todo esto fue muy bueno, hasta cierto punto. Fue bueno porque era una nueva forma de escuchar al cuarteto, se oía limpio, claro y de una forma que nunca antes se había oído, pero ahí venía lo malo, resulta que al pasar los discos a CD no se usaron muchas técnicas digitales, hubo eso sí, limpiezas, realces de algunas sonidos y se adicionaron ecos, pero recordemos que el CD es un formato digital, las cintas máster (¿se acuerdan?) estaban en formato analógico, durante el proceso nunca se volvieron a mezclar y por tanto al pasar a CD, se perdió alguna información (así sea imperceptible para muchos). El CD por naturaleza elimina algunas frecuencias mientras que tiende a realzar otras, esos pequeños cambios no se tuvieron en cuenta, por eso a veces la versiones en CD resultan muy planas, con sonido metálico, y no guardan la calidez que se puede escuchar en vinilos de buena calidad, y ni hablar del mp3. Entonces, cuál era la solución a dicho problema: volver a mezclar, hacer una nueva cinta máster usando técnicas digitales, siguiendo eso sí, las instrucciones de aquellos libros donde se registraba todo, este proceso de hacer una nueva cintar máster con técnicas digitales es lo que vamos a llamar... sí, así es: remasterización (aplausos). Es decir, lo que no se hizo hace 22 años lo van a hacer ahora, con computadores, Pro-Tools y todas esas jodas de los jóvenes de hoy en día. Obviamente, no sólo se trata de remezclar y ya, hay otros procesos que requieren trabajo, como por ejemplo la limpieza de las cintas (40 años no pasan solos), lo que acabe de explicar aquí, con ánimos didácticos, fue una grosera simplificación de todo el proceso.

Como esto está muy largo vamos a dejar para después los pro y los contra de la remasterización, las cosas que pueden salir muy bien y las cosas que pueden salir muy mal. También voy a hablar un poco de las implicaciones culturales de todo esto. Por ahora, y como para que no quede muy seco y aburrido este post, vamos con música. Una de esas canciones que salió diferente a ambos lados del atlántico, I'm Looking Through You, escuchen que la versión gringa en estéreo tiene un inicio falso, un movimiento de guitarra más. También voy a poner la versión monoaural británica para que noten la diferencia. En mono el bajo retumba más, es más claro y fuerte, la guitarra eléctrica suena más aguda y punzante, es como si la canción fuera más rockera; en la versión estéreo el sonido es más envolvente y limpio, más pop. Irónicamente, una parte de la letra de esta canción dice: You don't look different, but you have changed.

i'm looking through you (us stereo mix)

i'm looking through you (uk mono mix)

* Vale la pena aclarar que hace cinco años salieron en un boxset y en CD todas las versiones gringas de los discos de The Beatles, una colección llamada The Capitol Albums.

Aztec Camera - Walk Out To Winter

2009-04-17T14:57:00.004-05:00

Orange Juice y Aztec Camera son definitivamente las bandas más importantes del pop escoces de comienzos de los ochenta. Grandes exponentes de ese pop de guitarras que tanto nos gusta. Walk Out To Winter es una canción que representa mucho de esto, y de ese gran álbum que fue High Land, Hard Rain, una magistral muestra de cómo se hace un joya del pop. Aztec Camera quería ser una banda que pudiera exponer al mundo canciones perfectas, bajo la búsqueda de ese Santo Grial también nacieron The Smiths, Orange Juice, Felt y Prefab Sprout. De alguna forma lo lograron, pero el éxito resultó esquivo en muchas ocasiones. Y es que estas canciones tienen todo para ser grandes hits, pero quizá había cosas que no permitían su total reconocimiento. ¿Cuáles? No lo sabemos. En Walk Out To Winter encontramos una pieza con muchos elementos muy bien puestos en su lugar. La voz joven, casi adolescente de Roddy Frame, se nutre de unas guitarras acústicas muy sutiles y efectivas, una batería que da la impresión de ser sintetizada, engañosa. Y a eso se suma unas letras tímidas, que sirven para imprimirle un sello de romanticismo a la canción. Durante los dos primeros minutos es una canción que gusta por su simpleza, sin nunca perder el horizonte de los estándares del pop, es como si todo el compendio de bandas como The Birds y The Beatles hubiese sido muy bien estudiado para lograr este inicio. Pero en el minuto 2:06 la canción sufre un cambio sutil pero impresionante, difícil de lograr. La canción se envuelve en un collage de sonidos que suben en todo momento, libres y continuos, como si los vientos fríos de los que habla la letra nos hicieran despertar y saltar, así se le ve a Roddy Frame en el video, la canción llega entonces a un momento explosivo que termina en un lindo coro a varias voces, de la canción tímida con la que empezamos no queda nada, todo se ha convertido en un himno pop de grandes dimensiones, superior.

aztec camera - walk out to winter

P.D.: Les dejo una recomendación, probablemente el mejor blog que he visto en mucho tiempo: http://lookatthisfuckinghipster.tumblr.com/

The Beatles Remasterizado II

2009-04-16T13:13:00.003-05:00

Por si no la han visto, la promoción de lo que algunos han empezado a llamar el fin de la era del CD.

M. Ward - Rave On!

2009-04-15T15:56:00.004-05:00

M. Ward hace una muy bonita interpretación del clásico de Buddy Holly en su más reciente disco, Hold Time, y el video no puede quedar atrás. Muy buen video para una canción que es todo un clásico en lo que al estándar pop/rock se refiere.

La locura de los productores

2009-04-14T09:15:00.002-05:00

Corto pero buen artículo de The Guardian que se pregunta sobre la locura de los productores musicales.

Phil Spector, Joe Meek, Brian Wilson: Is it coincidence that three of the greatest record producers of all time were deeply troubled?

Este es el momento en el que Phil Spector es declarado culpable por asesinato.

Graham Coxon - Brave The Storm

2009-04-13T10:24:00.006-05:00

Graham Coxon es probablemente el mejor guitarrista que ha dado el Reino Unido en los últimos veinte años. Y si no fuera por Johnny Marr, el mejor guitarrista de los últimos treinta años, de eso no hay duda. Y si uno se olvida por un momento de Blur y hace un rápida revisión a la discografía de Coxon como solista se encontrará con una de las devociones más profundas por este instrumento. Pasando del pop estilo The Kinks y The Jam a los sonidos más ruidosos y disonantes del estilo Sonic Youth o Mission of Burma, no sin antes visitar estaciones como el punk de los Pistols. Y ahora, en su más reciente trabajo, Coxon desarrolla un disco conceptual dedicado a los sonidos folk/pop de la más excelsa calidad. El disco que lleva por título The Spinning Top, cuenta la historia de un hombre desde su nacimiento hasta su muerte, sus visiones de la vida y los momentos más trascendentales en su existencia. Brave The Storm es una muy bonita canción que muestra perfectamente lo que es este disco, una mezcla de folk y pop que lleva los instrumentos a su forma más primitiva y pura. Un excelente disco y un gran logro en la carrera artística de Graham Coxon.

graham coxon - brave the storm

St. Vincent - Actor Out Work

2009-04-09T11:34:00.006-05:00

St. Vincent saca de su bolsillo lo mejor de sus recuerdos en los días de Polyphonic Spree y los pone al servicio de esta canción. Una trepidación de dos minutos y quince segundos que pasan como si fuera uno, la canción no tiene un punto máximo, no tiene mayores solos de guitarra ni virtuosismos, exceptuando una corta pero sustanciosa intervención ruido-electrónica al final. Es tan simple que asusta. La canción no tiene coros, y si los hay los hace la guitarra. Solo una serie de cortas estrofas que pasan tan rápido que es difícil percibirlas. St. Vincent toma aire en el primer segundo de la canción, es su forma de advertirnos que lo vamos a necesitar. Se recomienda escuchar con audifonos y en una montaña rusa.

st. vincent - actor out work

Actualización: Acaban de hacer el lanzamiento oficial del video de esta canción. Acá está, es muy bueno.

The Beatles Remasterizado

2009-04-08T16:20:00.004-05:00

Ayer a las diez y cuarenta minutos de la mañana llegó un correo a las salas de prensa y Beatlemanos del mundo con un anuncio importantísimo: Todo el catálogo de la banda sería remasterizado y puesto en CDs en cajas de lujo y videos de acompañamiento y todas las carajadas que un disco de The Beatles merece. Todo el día estuve pensando en eso. Y acepto, con un poco de vergüenza, que en la noche antes de dormir también lo hice. Estuve pensando en si compraría toda la caja que están anunciando. Estuve pensando en si lo mejor sería comprar CD por CD. Estuve pensando, incluso, en si de verdad vale la pena comprar alguno de esos CDs. Estuve pensando en cuál será la diferencia de estas remasterizaciones con el trabajo del Dr. Ebbetts, aquel entusiasta que usa equipos de altísima calidad para mejorar la calidad de los discos del cuarteto. Estuve pensando que la crisis económica es tan grande que tuvieron que echar mano al deseo más grande de los Beatlemanos desde hace más de 20 años para monetizarlo. Estuve pensando que eso no es cierto porque The Beatles es la máquina capitalista más grande que ha visto el ser humano y que a ellos la crisis no les importa. Estuve pensando en por qué lanzarlo el 09 del 09 del 09, ese era el número favorito de Lennon, él nació el 09 de Octubre y por eso lo consideraba así. Estuve pensando en cosas como Revolution No. 9, One After 909, Number Nine Dream, pensando en que las palabras Liverpool y McCartney tienen nueve letras. Los Beatles y el nueve tienen algo. Estuve pensando en la primera vez que pensé en la idea de la remasterización del catálogo de The Beatles, fue hace 13 años escuchando un CD del Album Blanco, fue con Dear Prudence y su línea de bajo. Estuve pensando en aquellas canciones que me gustaría escuchar remasterizadas, canciones como Things We Said Today, Any Time At All, I'm Down, Another Girl y unas cuantas más. Estuve pensando cuánto valdría toda la caja en edición de lujo, muy seguramente más de dos salarios mínimos vigentes. Estuve pensando que la vida me hizo miserable al volverme fanático de esta banda. Estuve pensando que The Beatles es la forma más placentera de miseria. Estuve pensando que el sonido de The Beatles no necesita remasterización, pero luego recordé aquella versión de A Day In The Life con sonido 5.1 en el DVD del Antología, mismo DVD que arranca con una versión también remasterizada de In My Life, que por cierto es uno de los mejores comienzos para documental alguno, siempre me pone la piel de gallina y en dos ocasiones me ha hecho llorar, en fin, eso es lo más cercano a una remasterización oficial que haya existido, y cambié de opinión, porque quizá el sonido de The Beatles no necesita remasterización, pero nosotros, sus oyentes, sí necesitamos escucharla. Estuve pensando que soy un llorón y que cada vez que pienso en lo llorón que soy me acuerdo de I Am Sam y de su banda sonora, y que Sam decidió ponerle a su hija Lucy por la canción Lucy In The Sky With Diamonds. Y estuve pensando que esta maestría no se debería llamar The Beatles, Música y Sociedad sino The Beatles, Música y Mercadeo, si se llamara así mandaría los papeles y la haría, porque la sociedad, al fin y al cabo, a quién le importa.

Camera Obscura - My Maudlin Career

2009-04-06T15:34:00.005-05:00

Una de las cosas más difíciles que le ha tocado a Camera Obscura en su carrera ha sido desligarse de algunos de sus paisanos como Belle & Sebastian y The Delgados. El problema fue que en el momento más álgido de los Belle & Sebastian Steve Murdoch decidió dar la palmada en la espalda a Camera Obscura y apoyarlos de manera incondicional. Luego de eso a los Camera les tocó abrirse camino ellos mismos y demostrar a muchos que era un banda con todos los pergaminos necesarios para estar en la élite del pop escoces y no necesitar de ayudas ni empujones. Los resultados han sido muy buenos, con discos que demuestran la gran capacidad de esta banda para confeccionar excelentes piezas pop.

My Maudlin Career es una canción del nuevo disco que está a punto de salir y que lleva el mismo título. Una canción con un sonido y unos efectos maravillosos. Un piano que nunca cambia durante toda la canción y la voz de Tracyanne Campbell algo lejana, que parece estar unos cuantos metros atrás de los demás intrumentos, donde también vive una guitarra que nunca decae, con unos riffs distorsionados pero muy puestos en su lugar, parece Jesus & Mary Chain pero quitando algunas capas de ruido y dejando lo esencial, de hecho el comienzo de My Maudlin Career guarda algunas similitudes con canciones como Just Like Honey.

Pero la voz y la batería y todo el arreglo de esta canción funcionan en conjunto con una letra que va de la nostalgia a la tristeza, una relación que nunca funcionó, y todo el disco parece un gran homenaje a las relaciones fallidas. Y especificamente en esta canción donde todo se condensa, (You kissed me on the forehead / Now this kiss is giving me a concussion) empieza con esa voz lejana, como si tuviera que hablar de algo que no vale la pena recordar, (You're pain's gigantic but it's not as big as your ego/ Promise not to abandon you, please let me go), y ese piano que sigue como si nada cambiara, parece un reloj que sigue su camino sin mirar a su alrededor, (Oh in your eyes there's a sadness / Enough to kill the both of us / Are those eyes overrated? / They make me want to give up on love), y viene la guitarra tan difusa, marchando al paso del bajo, con entradas cada vez más fuertes, (This maudlin career has come to an end / I don't want to be sad again), y justo cuando la canción empieza a tomar forma, a adecuarnos a sus constantes jugueteos y maromas, se acaba, se desvanece como si nunca hubiera existido, tal como una relación fallida.

Las canciones no se hacen, se construyen, My Maudlin Career es un gran ejemplo de ello.

camera obscura - my maudlin career

Coupling

2009-04-03T16:54:00.004-05:00

La canción que abre la clásica serie Coupling, invitada en nuestro blog misshapes.

Neutral Milk Hotel - Two-Headed Boy

2009-03-30T14:52:00.005-05:00

La lista de Amazon de los 100 discos indie más importantes tiene cosas muy interesantes. En el primer lugar está la gran banda Guided By Voices con su disco Bee Thousand, y en el segundo lugar están los maravillosos Neutral Milk Hotel con sus voces gritonas y desmedidas y esas guitarras rasgadas y tan naturales que definen esa gran obra maestra que es In The Airplane Over The Sea, disco al que deberíamos quitarle la maldita etiqueta indie y dejarlo simplemente como uno de los trabajos más importantes en la historia de la música popular. También hay otras entradas interesantes y casi que obligadas en los primeros lugares como Pavement, Belle & Sebastian, Slint, Pixies, Sebadoh, The Magnetic Fields, etc. Esta lista puede servir de guía cuando vaya de compras (claro, si usted es de los pocos que quedan en este mundo que todavía compran discos).

Saúl Álvarez, QEPD

2009-03-16T22:28:00.005-05:00

"There was a guy,
an underwater guy who controlled the sea..."
Pixies - Monkey Gone to Heaven

Vivir la melomanía en Bogotá y no conocer a Saúl Álvarez, el dueño de la Musiteca, son dos cosas que no iban de la mano. En la mañana de hoy owai nos informó a todos de la muerte de Saúl, y obviamente los recuerdos no pueden ser pocos.

Pocas personas como Saúl han influido tanto en el desarrollo musical de una ciudad como él, creo que ni siquiera las emisoras. Por una sencilla razón: cuando las canciones y los sonidos dejan de ser públicos, estos se convierten de inmediato en fetiches personales, en pequeñas ambiciones y deseos oscuros que siempre queremos satisfacer. Saúl era el encargado de eso. Yo sé que para las nuevas generaciones de Internet y de mp3s es algo difícil de entender. Pero así era.

Para los que desgraciadamente somos más viejos, y para todos los que nos tocó volvernos adultos en los 80s y 90s Saúl era aquel que cumplía la función del Internet hoy en día. Nos informaba, recomendaba, conseguía, y mucho mejor, nos daba facilidades de pago.

Pero no haríamos nada al recordar a Saúl sin hablar de lo que más nos gustaba, la música. Gracias a él conocí a The Kinks, en plenos días del Britpop me presentó a tremenda banda que hoy se consolida como mi banda favorita después de The Beatles. En la musiteca compré discos de todos los calibres: Pulp, Stereolab, Brian Eno, Nick Cave, Pixies, Talking Heads, My Bloody Valentine, New Order, The Who, Sonic Youth, The Charlatans, David Bowie, The Jam, Air, Velvet Underground, y un largo etc. Saúl también alimentó mi Beatlemanía, no pocas cosas del cuarteto de Liverpool pude conseguir en la Musiteca.

Uno veía a Saúl cuatro o cinco veces al año, ese era el promedio para nosotros los pobres. Pero no sólo por la falta de plata, también porque muchas veces las esperas por aquellos caprichosos encargos tomaban semanas. Saúl siempre sabía cómo, cuándo y en dónde encontrar las joyas musicales más escondidas del planeta. Una de esas esperas que recuerdo muy bien ocurrió en el 2004, cuando Saúl logró conseguirme el DVD de Belle & Sebastian Fans Only, una espera de dos meses: un mes para que llegara y otro mes para que yo terminara de pagar. Hoy en día no tomará más que unas cuantas horas descargar ese mismo DVD de la Internet. Saúl acercó el mundo a Bogotá, y más importante, nos acercó a muchos a ese único placer que podemos quitarle a Dios, la música. Como dijo Gustavo Gómez: Saúl no vendía discos, vendía placeres.

Gracias Saúl.

Graham Coxon - Bittersweet Bundle of Misery

2009-03-02T14:35:00.005-05:00

Sigamos recordando las cosas que esta década nos dejó, y así al final de año no nos queda tan complicado hacer listas e inventarios.

Empezando la década Graham Coxon se olvidó de Blur y decidió sacar uno de sus discos como solista más aclamados, Happiness in Magazines, no era el primero de Coxon en solitario, pues mientras estuvo con Blur también exploró caminos muy low-fi en discos de pobre éxito comercial, pero con algunas cosas interesantes.

Del disco Happiness in Magazines una canción que de inmediato recuerda los movimientos juguetones de Coffee & TV en los días de Blur. Bittersweet Bundle of Misery es una muy buena canción, que huele a noventas de comienzo a fin. Para algunos eso es bueno, para otros es muy malo. Cada uno dirá.

The Beatles - Revolution 1 (Take 20)

2009-02-24T14:40:00.005-05:00

La gente alrededor del mundo se sigue preguntando si la toma inédita de Revolution 1 que está dando vueltas en la Internet es verdadera o no. En mi opinión no hay lugar a discusión: es real. No sólo por el sonido inconfundible de la banda, sino también por ciertas pistas que me llevan a asegurarlo con cierta confianza. La primera de las pistas es que en varios libros y publicaciones, entre ellos el Antología, se ha hecho referencia a Revolution como una canción pop que fue evolucionando hasta llegar a la pieza avant-garde que todos conocemos y que apareció en el Álbum Blanco con el nombre de Revolution 9; la parte pop de la canción, por su parte, fue titulada Revolution 1, también del Álbum Blanco; y una versión muy rockera que se llamó simplemente Revolution fue la que apareció como lado B del sencillo Hey Jude. Esta es una de las pistas, pues esta Toma 20 parece ser la muestra viviente de que esa "canción pop evolucionando" sí existió.

La otra pista que pueder servir para identificar si se trata de una toma verdadera es que EMI mandó quitar el video de YouTube con el audio de la canción, cosa extrañísima porque muy a menudo aparecen canciones falsas en YouTube bajo el título de "unreleased beatles song" o algo por el estilo, que nunca son bajadas pero que cualquier fanático promedio de la banda puede identificar como tomas falsas. De ser así, ¿qué otras cosas esconderá la EMI de nosotros los mortales?.

La tercera pista que me lleva a pensar que la toma es real es que yo ya la tenía :D. Se trata de un oscuro bootleg de The Beatles de hace muchos años, y obvio, no tiene la misma calidad de sonido que la recién descubierta. La del bootleg parece ser, más bien, una de esas grabaciones hechas con una grabadora de periodista desde la parte exterior del estudio, además se escucha claramente a Yoko Ono, que supongo estaba afuera del estudio para el momento de la grabación y muy cerca a la supuesta grabadora de periodista, y en la versión ahora descubierta se oye la voz de Yoko diciendo exactamente lo mismo que la del bootleg, pero esta vez por medio de algún tipo de parlante o altavoz, como si estuviese afuera del estudio. En fin, no sé si me hice entender pero bueno, voy a poner las dos versiones, so pena de que EMI, Google y demás amigos de la Liga de la Justicia borren esta entrada. Ahí van.

Revolution 1 (take 20) --recientemente descubierta--

Revolution 1 (take 20) --versión de bootleg y baja calidad sonora--

Animal Collective - Bluish

2009-02-24T11:51:00.002-05:00

Bluish es la mejor canción en la historia de la música popular. Bueno, ¿será que estamos yendo muy lejos?. Es la mejor canción que se ha publicado en esta década. Tal vez seguimos exagerando, ¿dónde me deja a Arcade Fire?. Concedido, entonces es la mejor canción de Animal Collective en la década. Pero, ¿y Chores? (Mientras escribo esto pongo Chores para asegurarme que la cosa sigue siendo así). Está bien. Es la mejor canción de Animal Collective en el año.

Así está mejor.

Como Bluish pocas. La canción cumple con el estándar pop a la perfección. Pero no es una canción pop. Se encarga de cumplir dos misiones mayúsculas en la historia de Animal Collective y del MPP. La primera es desmenuzar las estructuras músicales del pop, amoldarlas, jugar con ellas, sumergirlas en una piscina de sonidos para luego sacarlas, sacudirlas y con ellas hacer una canción. La segunda gran misión de Bluish es enamorar, encantar con sus voces y una lírica enrevesada que es atrevida en palabras y significados, un tongue-in-cheek romántico llevado a la lógica surreal de los collective.

Bluish es la canción que todo gran disco necesita. Es esa pausa necesaria, ese instante solemne que logra sostener por un momento las emociones y los vertiginosos movimientos que todos los buenos discos tienen. Es el She's Leaving Home, el Let Down, el Blown a Wish, el Polly (sí, yo considero a Nevermind uno de los grandes discos de la historia) del MPP.

Bluish es, además, el inicio de la parte final de MPP. Es el comienzo de la conclusión, el punto más alto de la campana gaussiana. Es, a mi modo de ver, la canción con más potencial para la radio. Bueno, eso en el caso que a Animal Collective le interese la radio, a mí me interesa porque soy un nostálgico aburrido, pero a ellos seguro que no, la radio dejo de ser importante hace mucho, los Animal Collective son populares en Internet y en los blogs, y eso, en nuestros días, es suficiente.

animal collective - bluish

The Walkmen - The Rat

2009-02-23T11:06:00.002-05:00

Cuando dije que en esta década The Libertines era la banda que había logrado que recuperara la fe en el rock and roll, no estaba siendo 100% acertado. La famosa canción de The Walkmen también tuvo mucho que ver, no necesitaron de una carrera musical ni mucho menos de un disco, una canción con nombre y sin apellido fue suficiente, The Rat.

Recuerdo que a The Walkmen lo conocí gracias a un programa de la radio británica que solía escuchar cuando el ancho de banda me lo permitía, el show de Steve Lamacq en BBC 6 Music.
Pero lo impresionante no fue sólo la canción, que por su crudeza es un buen ejemplo de cómo hacer una canción rock. Lo mejor es el video, que por aquellos días lo descargué usando mIRC, una sucesión de imágenes que muestran a una banda en su más primitivo estado, unas sombras que dibujan las siluetas de unos personajes que sin ningún tipo de pretensión rasgan sus instrumentos con la más carnal de las violencias, un baterista que pareciera tuviera la última oportunidad sobre la tierra de estrellar las baquetas contra las templadas membranas de su instrumento, unas cuerdas de bajo que parecen hubiesen sido acomodadas por el más salvaje de todos los punketos, y la voz, un flujo continuo de sonidos que parecen salir del punto más escondido del epigastrio. Es el rock reducido a su más mínima expresión, que en términos roqueros quiere decir su máxima plenitud. The Rat tiene que estar entre los mejores momentos de la década. De eso no hay duda.

Gomez - Shot Shot

2009-02-21T23:48:00.003-05:00

Gomez empezó su carrera musical hace más de 10 años, por esos días poco material de esta banda se podía escuchar en nuestro país. Lo que sí recuerdo muy bien es que si hubo emisora alguna que los abrazó con cariño, esa fue la Javeriana Estéreo. Y Aunque mis discos favoritos de esta banda se quedaron en los noventa. En esta década se estrenaron con un disco de muy buena calidad llamado In Our Gun (2002). De ese trabajo una canción que por momentos me recuerda el National Anthem de Radiohead.

The Libertines - What Katie Did

2009-02-21T00:31:00.002-05:00

Me encontré esta canción por allá en blip.fm. Y de seguro en la lista de lo mejor de la década estará en los primeros lugares la única banda que logró hacerme recuperar la fe en el rock and roll. Nuevamente gracias a las cristianos del YouTube, un video hecho por un fan. Muy bueno, por cierto.

Midlake - Balloon Maker

2009-02-20T11:45:00.003-05:00

Yo alguna vez consideré que era fan de Grandaddy, todavía creo que soy fan de Mercury Rev y de Flaming Lips. Bandas que alcanzaron algún tipo de madurez sonora en esta década. Y como todo lo maduro, aburrido. Por eso cuando escuché Bamnan and Slivercork (2004), el primer disco de una banda llamada Midlake, quedé sorprendido cómo aquel sonido podía ser llevado con tanta naturalidad, y que no sonará como una versión mal hecha de las bandas que acabo de mencionar. Bamnan and Slivercork es uno de esos discos que nunca pasaran a la historia, que nunca serán influyentes, que jamás aparecerá en los listados citado como un clásico ni nada que se le parezca. Es un disco que injustamente apareció en un época en la que no tenía que aparecer. Es el único disco de Midlake digno de ser recordado, su segundo trabajo gustó mucho más, los hizo populares, pero es extremadamente aburrido y muy alejado de lo que Bamnan and Slivercork es. Esta es una de esas pequeñas joyas que gustan a pocos y disgustan a muchos.

George Harrison - Horse to the Water

2009-02-17T23:54:00.005-05:00

He decidido que el blog puede ser una buena herramienta para, por lo menos, empezar a citar y recordar las cosas que esta década nos dejo.

En 2001, como todos ustedes los saben y como toda la humanidad tuvo oportunidad de presenciarlo, ocurrió uno de los episodios más trágicos en la historia del mundo moderno, uno de esos acontecimientos que a muchos nos rompieron el corazón y del cual algunos todavía no se recuperan: murió George Harrison. (Por ahí decía Paul Simon que cada generación pone a sus héroes en el tope de las listas de popularidad).

Uno de sus últimos registros sonoros fue Horse to the Water, canción grabada al lado del carismático Jools Holland. La canción no tuvo video alguno, pero ustedes saben cómo son las gentes de YouTube y hay un video hecho por un fanático con imágenes de la vida del ex-Beatle. Gran canción.

Badly Drawn Boy - Once Around The Block

2009-02-13T16:15:00.002-05:00

Eso que dije la vez pasada de ocupar el 2009 escogiendo los mejores discos de la década me dejo pensando. En mi caso creo que habrá dos listas: los discos que más me gustaron y los discos que creo fueron más influyentes (por estética, influencia y blah blah...). Y creo serán dos listas muy diferentes. En fin, todavía hay tiempo. De momento algo que recordé y que muy seguramente estará en la lista de lo que más me gustó en estos 10 años.

Animal Collective - Daily Routine

2009-02-12T12:04:00.002-05:00

Pero no todo es bueno. Y acá empezamos a mostrar algunas de las cosas que, en mi concepto, no cuadran en este disco. Daily Routine es una canción que parece directamente tomada de algún trabajo anterior de Animal Collective, hubiese podido ser parte de Feels o Sung Tongs. Pero eso no es malo. Para nada. Se trata de una banda consolidada y tienen todo el derecho a mantener su sonido y autocopiarse. Lo que pasa es que MPP ha sido elevado a una categoría que todavía no merece. MPP es una compilación de grandes éxitos que se forma de luego de muchos años de trabajo alrededor de un sonido que por momentos estuvo, y hay que decirlo, estancado. Si MPP hubiese sido el disco debut de Animal Collective en el año 2000, tendríamos indudablemente que aceptar, hoy 10 años después, que es un obra maestra. Pero no, no fue así. Pocas cosas en MPP son nuevas, toda las cosas en este trabajo han sido presentadas antes de alguna u otra forma. La genialidad del disco radica en poder controlar las dosis de sonidos experimentales y pop en sus "justas proporciones" (como diría el finado Turbay).

Y las palabras 'grandes éxitos' no están en negrilla al azar. Las uso solamente para mostrar algo que sucede con ese tipo de discos. Son compilaciones fragmentadas. Eso es lo que pasa con este MPP por momentos, se siente dividido, fragmentado. Y esa es mi primera impresión, como lo dije antes, sólo el tiempo hablará de la real magnitud de este disco, porque sin duda alguna, será un disco del que se seguirá hablando en el futuro próximo. Pero bueno, escuchemos Daily Routine, porque luego viene Bluish, y ahí, las cosas son a otro precio.

animal collective - daily routine

The Wave Pictures && Hefner

2009-02-11T13:09:00.004-05:00

No entendía por qué el disco de The Wave Pictures me gustaba tanto, o por lo menos sé que me parece divertido y buena onda. Me gusta la voz del cantante, el manejo simple de las guitarras y las melodias que no necesitan de mayor artilugio para ser pegajosas. Bueno, el hecho es que no entendía por qué me gustaba, o a qué me recordaba, hasta que me encontré por ahí con una de esas bandas que uno nunca debería dejar de escuchar: Hefner. Era eso, The Wave Pictures me recordaba la frescura de Hefner, gran banda.

The Wave Pictures - Strange Fruit for David

Hefner - Christian Girls (aquellos día de MTV2)

Kevin Ayers - May I?

2009-02-10T00:40:00.005-05:00

Creo que ya había puesto este video o esta canción en este blog. Si no lo hice, pues que descuido. Una canción muy bonita de un genio de la música, Kevin Ayers. Viendo esto me doy cuenta que no creo que se repita en la historia de la música un movimiento con tanta actitud, seriedad y calidad como la Escena de Canterbury. Esto es de 1972.

Animal Collective - Summertime Clothes

2009-02-09T12:34:00.002-05:00

Esta es la canción que sirve para indicar a cualquier oyente desprevenido que está frente a un disco digno de ser valorado. Porque MPP logra (al menos eso parece) algo que ha adolecido a los 'indies' por mucho tiempo: llegar a un público amplio. Y acá vienen las comparaciones, muchas veces feas. Cuando se empezó a catalogar a Arcade Fire como un grupo indie parecía que las cosas no cuadraban, por lo menos no para los hipsters. Y la respuesta está precisamente ahí: Arcade Fire nunca fue indie. Ellos lograron llegar directamente a cualquier tipo de público con un disco ambicioso y de raíces, eso sí, independientes. Pero Animal Collective, no. Los AC lograron llevarse las alabanzas de las revistas y publicaciones indie, los lambetazos de bloggers, pero nunca fueron tan ambiciosos como para salir de esa bola de pelos y mugre. Por lo menos hasta ahora. Y este Summertime Clothes es eso. Es esa forma ver cómo se puede ambicionar el mundo. Y, por supuesto, lograrlo.

animal collective - summertime clothes

La influencia de Lester Bangs

2009-02-06T10:53:00.003-05:00

No soy fanático a ninguna publicación impresa o digital de música, pero si existe alguna revista online por la que metería las manos al fuego esa es Perfect Sound Forever, probablemente la mejor publicación de Internet en toda su historia en lo que a música se refiere. Y muy a pesar de su fondo negro que resulta un verdadero reto para mi incipiente ceguera, la leo sagradamente cada vez que tiene una nueva edición. En esta ocasión hay un artículo muy interesante de Ethan Stanislawski acerca de la influencia de Lester Bangs en sitios de reseñas como PopMatters, Pitchfork y demás de la misma calaña. Dice acerca de Pitchfork:

Despite Pitchfork's remarkable name recognition and influence on the music scene, the site's level of trustworthiness has long been a subject of scrutiny and derision. The most recent case involved their hastily constructed review of Black Kids' debut LP Partie Traumatic. Originally a 0.0 with the line simply "Everyone makes mistakes," the review was later changed to a 3.3, with the body changed to a lolcat picture of two pugs saying "Sorry :-/"

Luego el artículo cita a DeRogatis, eterno biografo de Lester Bangs, para decir:

"The thing that people miss about Lester was that he was devoted to music, he really believed it was a force for life, and nothing less. There was an unfailing honesty in his writing that he felt he owed people" said Jim DeRogatis, Bangs' biographer. "One of the things that disturbs me is that people think it was all about the style, and far greater rock writers than the ones at Pitchfork thought this. I disagree to the core of my being."

Eso es precisamente lo que falta en estos días y es la única influencia que muchos deberían recibir de Lester Bangs: sentir la música como esa fuerza de vida. Yo sé que suena a frase perdida de algún libro de Paulo Coelho pero así es, la música se ha dejado de sentir.

Lux Interior (1948 – 2009)

2009-02-04T21:09:00.003-05:00

Noticia triste para el mundo de la música. Uno de los frontman más influyentes de los últimos 30 años, Lux Interior de The Cramps, murió en la mañana de hoy víctima de una complicación cardíaca.

Animal Collective - Also Frightened

2009-02-04T13:13:00.003-05:00

Acá es donde hay que identificar los dos grandes grupos de canciones que hay en MPP (la gran fortaleza y a su vez debilidad del disco), por un lado están aquellas que se desarrollan dentro una lenta pero continua cadena de sonidos que parecen una gelatina en las manos (In The Flowers, Also Frightened, Daily Routine, No More Runnin'), por otro lado tenemos las que recurren a las estructuras más simples y conocidas del pop para lograr su cometido (My Girls, Summertime Clothes, Guy's Eyes, Lion in a Coma, Brother Sport), Bluish y Taste tienen una mención especial por tratarse de las dos canciones más interesantes, desde mi punto de vista, del disco y de lo hecho por Animal Collective hasta la fecha.

Also Frightened es psicodelia pura. De esa que fue mostrada al mundo en discos como Revolver o Pet Sounds. De hecho esta canción me acuerda mucho de canciones como Love You To y You Still Believe In Me. La canción tiene un gran juego de voces y por momentos parece que se tratara de una pieza incompleta, como si uno siempre estuviese esperando ese climax que nunca llega.

animal collective - also frightened

Animal Collective - My Girls

2009-02-02T13:31:00.004-05:00

Merriweather Post Pavillion es el disco que mejor representa, hasta la fecha, lo que Scaruffi llama la era digital. Empezando por la caratula, cuyo efecto visual logra percibirse mucho mejor en la pantalla de un computador que en la versión física del álbum. Eso lo dice todo. Hasta me atrevo a decir que este no es un disco hecho para el reproductor análogo, es por eso que se hace extraño que Animal Collective decidiera lanzarlo en LP, mucho me temo que el disco logra su mayor expresión en el CD, o incluso, y sin exagerar, en el mp3.

My Girls es el primer sencillo del disco y es una extensión del trabajo de Panda Bear en su album Person Pitch y canciones como Bros, pero digamos que acá el concepto pop sale más a flote diluyéndose/ayudándose con esas estructuras repetitivas al estilo Philip Glass. Algo de esto ya empezaba a tomar forma en discos como Feels. La gran diferencia es que My Girls es de esas canciones que instantáneamente alcanza la gloria pop que pocas veces se había visto en trabajos anteriores de Animal Collective (excepto en canciones como Chores y Comfy In Nautica).

animal collective - my girls

Animal Collective - In The Flowers

2009-01-30T12:31:00.005-05:00

Si usted es como yo y no le cree mucho al hype, tengo que decirle que en el caso de Animal Collective y el Merriweather Post Pavillion (MPP) hay que creerle. Pero ojo, no hay que confundir las cosas y es necesario tener mucho cuidado, porque según Pitchfork y Stereogum todos deberíamos meternos debajo de la mesa y no escuchar nada más en este año porque, dicen ellos, MPP es el mejor álbum del 2009. Lo curioso de eso es que al final del 2009 la gente poco y nada le importará cuál es el mejor disco del año, ya que todos estarán ocupados seleccionando el mejor disco de la década, que para mí, por cierto, está entre Funeral de Arcade Fire y Ys de Joanna Newsom. MPP estará seguramente entre los mejores de la década, pero todavía es muy temprano asegurar que se trata de una obra maestra de la música o algo que se le parezca, tal como muchos andan diciendo por ahí. Yo creo en la llamada prueba del tiempo, y tendrá que pasar una buena cantidad de años para determinar si MPP es una obra maestra. Por lo pronto, disfrutemos el disco sin mayores pretensiones, es un gran disco, eso nadie lo puede negar. Durante los siguientes posts dejaré a ustedes muchas de mis apreciaciones e impresiones de este buen disco.

animal collective - in the flowers

misshapes

2009-01-29T12:47:00.002-05:00

Inauguramos misshapes (nada que ver con los DJs hipsters de por ahí) con la presencia de Green Wing.

Una noche sin Indie

2009-01-23T11:25:00.002-05:00

Ayer por esas casualidades de la vida entré al sitio vive.in, una página de Internet de la casa editorial El Tiempo que promociona fiestas, restaurantes, bares y demás cosas referentes a la vida urbana de la gente con plata. En la página principal se anunciaba lo siguiente:

Actualmente se vive en Bogotá un gran movimiento entorno a la música Indie, sin embargo, y aunque las fiestas y reuniones entorno a este género suelen muy buenas (sic), siempre cae bien una pausa para escuchar nuevas cosas.

Por esta razón, el jueves 22 de enero estará Phillip Scholz en Mai Lirol Darlin con un set que no incluirá temas como 'Ready for the floor' de Hot Chip, pero que promete mostrarte cosas que también pueden encantarte. El lugar se llenará de Techno, Electrónica, IDM, House y más.

Y mi abuelita decía "vueeelve la burra al trigo".

Hace unos días hablábamos con un amigo sobre la falla histórica que representa el término "indie". Mucho de eso ya se ha discutido acá. Hemos dicho que clasificar la música como indie o no indie era como clasificar la literatura en libros de tada dura o tapa rústica. Entonces no veo cuál es el hecho de hacer o no una fiesta con música "indie". Acaso la electrónica, el IDM o el House no son independientes. Yo creo que si hay géneros que en realidad son indies son éstos. Pero peor aún, dice el aviso "con un set que no incluirá temas como 'Ready for the floor' de Hot Chip", a ver, acaso Hot Chip representa la tal "música indie", si hacemos una revisión por encima, vamos a notar que el "tema" 'Ready for the floor' de Hot Chip pertenece al disco Made in the Dark, que salió al mundo bajo el sello EMI. Y si EMI es indie, entonces yo soy la reencarnación de Jesús mutada con Superman y Highlander.

Pero bueno, digamos que la culpa no es de ellos, eso de clasificar al indie como un género musical no es de nuestro país. Pero es que en Colombia para compensar que somos muy malos copiando lo bueno, nos hemos vuelto muy buenos copiando lo malo.

Lilly Allen - The Fear

2009-01-07T17:12:00.011-05:00

El Reino Unido es de esos pocos lugares del mundo al que usted puede llegar al frente de su familia, pararse y decir que quiere ser músico, comediante o futbolista; y la familia se sentirá tan orgullosa como si una de las nuestras escuchara decir que uno va a convertirse en abogado, médico o ingeniero. Y si no es porque a la británica Lilly Allen le falta algo de estatura (porque las piernas las tiene) para la cosa del fútbol, ella ejercería las tres.

The Fear es una canción estándar, por decirlo de alguna forma. Me acuerda mucho de Blur, eso sí, sobretodo por la secuencia inicial y algunos de los beats que rondan la canción. Lo importante de The Fear es esa grandilocuencia pop que en los últimos años se ha perdido, y que precisamente se recuperó en el 2008, pero con los matices y bemoles propios de los días que vivimos.

Y es que hay algo decadente en el pop que lo hace deliciosamente atractivo. En esta canción, por ejemplo, cuando la niña Allen con sorna se burla del mundo del consumo y la vida plástica, basta tan sólo con visitar los bares más prestigiosos de Londres y encontrarse allí con Lilly en alto grado de alicoramiento y bajo los efectos de quién sabe qué tipo de sustancias. Es el mismo tipo de decadencia pop de Britney Spears y su Womanizer, o de Katy Perry y el I Kissed a Girl. Las tres guardan algo en común que las hace maravillosamente atractivas, y no es solamente el componente femenino (aunque en cierto modo tenga mucho que ver), es también todas las cosas que rodean a la figura de la estrella del pop, de esas cosas que hacen morder los codos de la envidia a los más independientes o indies. Y no les había dicho, pero para mí Womanizer es la canción perfecta del 2008, es la radiografía que muestra lo sórdida y oscura que se ha vuelto la música, la canción en sí misma es muy oscura, como quien pone una manta negra sobre un delicioso pastel, o mejor, como quien hace un delicioso pastel de crema gruesa y negra. Y aunque este The Fear tiene un envoltorio diferente, los ingredientes siguen siendo los mismos.

Es que eso es el pop, al fin y al cabo, y así es que nos gusta.

Animal Collective - Summertime Clothes

2009-01-05T16:27:00.003-05:00

Quería publicar esta gran canción desde hace unos días pero no sabía exactamente qué decir... pensaba compararla con la maravillosa Chores, y quizá también hablar un poco del gran sonido que logró Animal Collective en sus inicios. Pero no sabía exactamente cómo decirlo. Pues bueno, mientras leía los feeds de Google Reader me encontré con la entrada del señor de Fluxblog, y vean ustedes la cosa más extraña, sentía estar leyendo todo aquello que exactamente quería decir. Entonces mejor, para ahorrar tiempo, para no decir tanta pendejada y además seguir disfrutando de mis vacaciones, los remito directamente a la entrada de Fluxblog que empieza diciendo:

I’ll be honest with you: I had pretty much given up on these guys. After the initial thrill of discovering Spirit They’re Gone Spirit They’ve Vanished and Danse Manatee circa 2001, Avey Tare and Panda Bear’s path mostly diverged from what I wanted, and what I imagined to be their full potential. There were good songs along the way — “Who Could Win A Rabbit?,” “Grass,” about half of Person Pitch, and “Chores,” but for the most part, their music had come to seem overly indulgent, lazy, or horribly uninspiring.

P.D.: No crean ustedes que olvidé poner la canción, es sólo que el bot de google tomará muchos menos tiempo en borrar la entrada que yo en subir la canción. Les recomiendo, eso sí, que hagan hasta lo imposible por oirla, es una gran canción.

Only Fools and Horses

2009-01-01T23:10:00.005-05:00

Para este año quiero empezar un nuevo blog sobre humor y comedia. Pero mientras eso pasa, y como este blog es de música, los dejo con la canción de cierre de una sitcom que me gusta mucho. Una sitcom que compite con Fawlty Towers como una de mis favoritas, se trata de Only Fools and Horses.

only fools and horses (closing theme)

We've got some half price cracked ice and miles and miles of carpet tiles,
T.V.s, deep freeze and David Bowie L.P.s,
Ball games, gold chains, whassa-names, and at a push,
Some Trevor Francis track suits from a mush in Shepherds Bush,
Bush, bush, bush, bush, bush, bush, bush ...
No income tax, no V.A.T.,
No money back, no guarantee,
Black or white, rich or poor,
We'll cut prices at a stroke
God bless Hooky Street,
Viva Hooky Street,
Long live Hooky Street,
C'est magnifique, Hooky Street,
Magnifique, Hooky Street,
Hooky Street

Belle & Sebastian - The Magic Of A Kind Word

2008-12-17T15:47:00.003-05:00

Increíble que esta presentación de Belle & Sebastian (2001), que fue puesta en YouTube en Noviembre del 2006 sólo tenga nueve mil visitas y cuatro miserables comentarios. Aparte de ser una de las últimas canciones en el estilo más tradicional de la banda, aquel que cambio por completo con el lanzamiento del disco Dear Catastrophe Waitress, también es una de las últimas canciones con Isobel Campbell en la formación, y eso, me perdonarán ustedes, daría para tener más views que un video de Katy Perry.

John Lennon - Nobody Loves You (When You're Down and Out)

2008-12-08T12:21:00.003-05:00

Creo que nunca les conté que mi canción favorita de John Lennon como solista es Nobody Loves You (When You're Down and Out), ni que me gusta mucho más esta versión que la original del disco Walls and Bridges. Hace 28 años asesinaron a John Lennon... y no sé si hace 28 años hacía el mismo frío que hace hoy en New York, pero si fue así, qué mal día para matar a alguien.

Belle & Sebastian - BBC Sessions (1996 - 2001)

2008-11-25T16:06:00.003-05:00

Este disco nos recuerda esas cosas que hicieron que muchos nos enamoráramos de Belle & Sebastian, algunas de esas cosas, con el tiempo, cambiaron para bien, y otras no tanto. Este disco es para ese fanático introvertido y muchas veces tímido, del que prefiere sentarse a escuchar la simpleza de Tigermilk en la intimidad de su cuarto y no del que se sienta a ver cómo todos saltan en una fiesta con la exuberancia de The Life Pursuit; los dos extremos en la carrera de una banda, con sus matices y colores, con sus éxitos y fracasos, con sus simplezas y complejidades. Este disco es recordar a Isobel Campbell, es hacer un pequeño y merecido homenaje a Stuart David, es una intima dedicación a John Peel. Este disco se encarga de mostrar los inicios de una banda que parecía destinada a llenar los recuerdos de los desadaptados y de los aburridos. Este disco es como esa fotografía vieja de la que se habla en Slow Graffiti, aquella que miramos y miramos con nostalgia, mientras nos preguntamos qué fue de nosotros, y lo peor, qué será de nosotros. Este disco es una colección de canciones en vivo nunca puestas en una placa oficial, pero ampliamente conocidas por cualquiera que se haga llamar fan de Belle & Sebastian. Este disco no sólo tiene una de las carátulas más bonitas de toda la discografía de esta agrupación, sino que en su versión de lujo viene con un CD de un concierto en Belfast*. Este disco no es en absoluto de las mejores sesiones de la BBC de banda alguna, no es para nada de las mejores presentaciones en vivo de esta banda, muchas de sus canciones contienen errores y fallas evidentes; pero es Belle & Sebastian, y eso importa más que cualquier cosa.

belle & sebastian - slow graffiti

* El concierto en Belfast fue hecho un mes después de la muerte de George Harrison, para esa ocasión B&S abrió con este cover de Here Comes The Sun.

belle & sebastian - here comes the sun

The Beatles - Piggies

2008-11-21T14:40:00.005-05:00

(Ya son siete años de la muerte de George Harrison y exactamente cuarenta del lanzamiento del Álbum Blanco).
The Beatles - Piggies

Has visto los cerditos pequeños arrastrándose en la mugre,
y para todos esos cerditos pequeños la vida va de mal en peor,
siempre llenándose de mugre para jugar.

Has visto los cerditos grandes con sus blancas camisas almidonadas,
encontrarás a los cerditos grandes sacudiéndose la mugre,
siempre con sus camisas blancas para jugar.

Con la vida asegurada en sus pocilgas, no les importa lo que pasa afuera,
en sus miradas falta algo, y lo que necesitan es una buena paliza.

En todas partes hay montones de cerditos, que llevan vidas de cerditos,
los puedes ver cuando salen a cenar con las cerditas de sus esposas,
y empuñan tenedores y cuchillos, para comerse todo el tocino.

the beatles - piggies

The Beatles - You Know My Name (Look Up the Number)

2008-11-17T15:58:00.005-05:00

No les pasa a ustedes que comienzan a escuchar una canción y sin saber cómo empiezan a sentir una especie de rara conexión con la misma. Seguro que sí. A mí me ha pasado muchas veces. Me paso con I Am The Walrus de The Beatles, con Slow Graffiti de Belle & Sebastian, con '39 de Queen, con You're so Great de Blur, con A Most Peculiar Man de Simon & Garfunkel, y recientemente con Daisy Click Clack de Stereolab.

No me refiero a ese gusto por canciones que con el tiempo se acentúa. No. Hablo de esa extraña conexión que aparece en el mismo instante de empezar a escuchar una canción, y que siempre aparecerá cuando uno vuelve a oírla. Una de las primeras canciones con las que recuerdo haber sentido eso fue con You Know My Name (Look Up The Number) de The Beatles. Una canción que siempre ha generado curiosidad, no sólo por su única frase que se repite en forma de mantra durante toda la canción, sino también por la variedad de estilos y ritmos por los que la canción se mueve.

Fue grabada en 1967 pero sólo publicada como lado B en 1969, en una versión editada de 4 minutos que difiere un tanto de la de 6 minutos 20 segundos que originalmente grabaron The Beatles. Se trata de prácticamente cinco diferentes canciones dentro de una, todas con la misma letra y el mismo sentido del absurdo.

El comienzo de la canción es excelente, con un suspenso muy bien creado durante los primeros cinco segundos, y una línea de bajo y batería perfectamente acoplados hasta cuando entra la voz, un coro muy recio que empieza con la letanía: you know my name, look up the number. Un piano acompaña esta primera parte muy convencional en el estilo de The Beatles, hasta el minuto 1:05, que es cuando viene una de las secciones más interesantes de la canción, acá aparece The Beatles haciendo ska del más crudo y directo. (¿Qué si The Beatles sabían que estaban haciendo ska? No se sabe, ¿Qué si fue algo intencional? Tampoco se sabe). En la tercera parte, la cual aparece alrededor del minuto 2:17, Lennon introduce a un tal Denis O'Bell, quien no es otro más que el mismo Paul McCartney, el cual continúa con la canción en formato Jazz, con una voz que parece parodiar a los cantantes de la década del cincuenta. La cuarta sección de la canción es la más extraña y menos convencional de todas, aparece en el minuto 3:45, es una mezcla de sonidos y voces en un juego casi infantil, que bien podría ser la banda sonora de la locura: una misma frase repitiéndose en voces muy cómicas y efectos poco comunes. La quinta y última parte de la canción, minuto 4:57, de nuevo trae cosas en formato Jazz, pero esta vez asemejado al sonido de cabaret y club nocturno, con John simulando los diálogos de los borrachos y un magistral solo de saxofón a cargo de Brian Jones, el difunto Rolling Stone.

Para algunos es una de las peores canciones del cuarteto, para mí es simplemente una de las canciones más brillantes de la banda, y definitivamente un momento único en la historia de The Beatles.

the beatles - you know my name (look up the number)

The Stone Roses - Waterfall

2008-11-07T12:39:00.003-05:00

¿Cuándo una canción se convierte en clásico?, ¿Es algo de la psiquis personal o colectiva?, ¿Será que estos zapatos me quedan?. Eran algunas de las preguntas que me hacía cuando en una tienda de zapatos empezó a sonar Waterfall, la canción de los Stone Roses. Y es que en el momento en que sus notas comenzaron a invadir el aire sentí algo extraño, de inmediato mi mente y mi cuerpo se encontraron con algo que pocas veces ocurre: me sentía tranquilo. Una sensación de paz y emoción que no podía contener. Waterfall transmite eso. En parte porque era una canción que hacia mucho tiempo no escuchaba, pero también porque Waterfall es una canción perfecta. Pero más sorprendido estuve cuando mentalmente recorría cada una de las notas, prediciendo la letra y dándome cuenta que es una canción que conozco a la perfección, pero que no soy capaz de recordar si me piden cantarla, que sólo toma forma y se convierte en clásico al sentir ese magistral riff de guitarra por los altavoces de algún sistema de sonido, al saber que es Ian Brown quien con esa voz arrastrada hace levitar las palabras con moderado entusiasmo. Es un clásico, es un himno, es The Stone Roses.

The Kinks trabaja en nuevo disco

2008-11-05T16:52:00.002-05:00

Definitivamente la noticia más grande, importante e histórica del día es que The Kinks está trabajando en un nuevo disco. (Let's all drink to the death of a clown)

The Beatles - Not Guilty

2008-10-28T15:23:00.004-05:00

Era navidad en el año 1996, y como es usual en las navidades, era Diciembre. Y en el barrio Restrepo de Bogotá, tuve la oportunidad de encontrar la copia más barata (menos cara quise decir) del Antología 3 de The Beatles que por aquellos días apenas llegaba a Colombia. Era una tienda pequeña atendida por una señora que siempre tenía el último hit vallenato a todo decibel, pero el haber encontrado tal copia del Antología casi a mitad de precio de lo que se hubiera podido conseguir en cualquier otra tienda de la ciudad me hizo volver muchas veces más, y muchas joyas escondidas guardaba el sofocante lugar (siempre tuve una teoría acerca de este tipo de tiendas pero luego se las cuento). El Restrepo, para el amigo foráneo, es un tradicional barrio de Bogotá poblado de tiendas de zapatos, zapaterías, artículos de cuero, mujeres en cueros más feas que un zapato, donde algunas venden el amor, y otras más lo dan gratis.

Not Guilty era para mí, en ese Diciembre, una canción de título extraño en el cancionero Beatle. Y aunque yo no era el más versado de los fanáticos de la banda, por lo menos sabía que la tercera entrega del Antología correspondía a las sesiones de grabación del Álbum Blanco, Abbey Road, Let It Be, y todos sus correspondientes sencillos. Tres discos que conocía a la perfección y que por tanto, con suspicacia adolescente, podía identificar a ojo cerrado aquellas canciones en el Antología 3 que no aparecieron originalmente en los ya mencionados discos. Not Guilty era una de ellas.

La canción nunca hizo parte de disco alguno del cuarteto, pero tuvo un número exagerado de tomas y versiones antes de ser desechada. Sin embargo, luego fue retomada por su autor, George Harrison, y puesta en un disco lanzado en la carrera en solitario del ex-beatle.

La guitarra afilada de Harrison, conjugada con esa voz seca y profunda imprimen un elemento muy recio a la canción, esta versión preliminar grabada por The Beatles es mucho más intensa que la encontrada en el disco como solista de Harrison. Es más gruesa, tiene fuerza, y la batería casi inexistente en la versión del disco en solitario contrasta radicalmente con la batería trepidante en las versiones hechas por The Beatles. Por esos días Ringo estuvo ausente para algunas sesiones, y no estoy seguro si la batería en esta versión la hace Ringo o Paul McCartney, me da pereza buscar... Si alguno sabe, de antemano le agradecería el dato. La versión que escucharán es de 4 minutos y 14 segundos, es algo diferente a la del Antología y aparece en uno de los tantos bootlegs de The Beatles. Es la versión que más me gusta, tiene un solo de guitarra al final muy interesante. Siempre he creído que fue en los días del Álbum Blanco donde The Beatles alcanzó una etapa superior con los instrumentos, esta canción de alguna forma lo demuestra.

the beatles - not guilty

Coming Up

2008-10-23T11:06:00.004-05:00

Para nadie es un secreto la gran influencia que el reciente trabajo de Hot Chip, Made in the Dark, tiene de discos como McCartney II. Un disco que junto a Back to the Egg son dos de los más criticados por los más alienados fans del ex-Beatle. Para mí Back to the Egg es una verdadera obra maestra, un disco que detrás de su aparente simpleza y debilidad contiene unas complejas estructuras musicales, un canción como Arrow Through Me, por ejemplo, que cualquiera haría pasar por una canción adulto-contemporánea sin mayor importancia, pero que si se analiza como debe ser contiene una pesada carga pop y una línea de bajo y sintetizador que podría ser la envidia de bandas como Magazine, Orange Juice o cualquiera de esas del post-punk.

Pero sigamos con Hot Chip y el McCartney II. Pues para despejarnos las dudas acerca de las influencias escondidas en Made in the Dark, Alexis Taylor, vocalista líder de la banda, acaba de lanzar un disco como solista, poco interesante pero con momentos rescatables (Baby es una gran canción), con un cover de quizá la canción más conocida (pero no la mejor) del McCartney II. La voy a poner acá, junto al video original de la canción en una versión remix que el DJ Hellraiser hizo junto al mismo Paul McCartney. El video no es otra cosa que una muestra más de esa personalidad egomaníaca de Paul, pero es divertido. (Si blogger borra el post por poner la canción entonces lo publicaré de nuevo pero sin audio).

alexis taylor - coming up

paul mccartney - coming up